martes, 31 de diciembre de 2024

JURADO Nº2 (2024), DE CLINT EASTWOOD.

Nada más comenzar la que podría ser la última obra del gran Clint Eastwood, se nos presenta un dilema moral. El protagonista, ex-alcohólico, está viviendo un momento dorado de su vida, una vez que ha dejado sus demonios atrás: está a punto de ser padre en el contexto de una relación muy feliz. Cuando es elegido jurado de un caso de asesinato se da cuenta - al espectador se le informa enseguida de dicha circunstancia - de que él podría ser el responsable de la muerte que se está juzgando. Estuvo en el mismo paraje dónde ocurrieron los hechos y el presunto atropello de un ciervo en una noche oscura y lluviosa podría haber sido el de una persona. ¿Cómo actuar en un caso así? ¿Qué es lo correcto? A lo largo de casi dos horas el espectador se pone en la piel de Justin Kemp para hacerse estas mismas preguntas. Porque lo que le sucede al protagonista podría sucederle a cualquiera si se produce el cúmulo de circunstancias fatales que aquí ocurre. A destacar la verosimilitud de todo el procedimiento judicial que filma Eastwood, que las grandezas y miserias del sistema judicial estadounidense, un sistema que busca la verdad, pero también los intereses personales de los profesionales implicados en el mismo.

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sábado, 28 de diciembre de 2024

BUFONES (2024), DE IÑAKI DOMÍNGUEZ. HUMOR, CENSURA E IDEOLOGÍA EN LOS TIEMPOS DE INTERNET.

La figura del bufón - con sus distintas variantes - es una constante en la historia universal desde la antigüedad. Es una especie de necesidad social que exista una figura con la libertad de decir la verdad a la cara a los poderosos sin que ese atrevimiento tenga las dramáticas consecuencias que supondría para cualquier otro. En cualquier caso, el humor caustico siempre ha sido un enemigo del poder, sobre todo en estos tiempos en los que existe libertad de expresión como un derecho consagrado en las distintas Constituciones de los países occidentales, pero se ejerce la autocensura más que nunca. Esto es debido a la existencia de internet, a la posibilidad de cancelar a cualquier artista que quiera salirse del discurso buenista imperante. Los bufones ya no gozan de inmunidad, puesto que es la misma sociedad, o una buena parte de esta, la que considera que existen una serie de preceptos intocables y no debatibles cuyas disidencias deben ser reprimidas.

¿Podemos reírnos de todo con total libertad? En nuestro moralista mundo la respuesta parece ser que no. El discurso oficial ha llevado a la izquierda de su labor tradicional en defensa de los trabajadores y las clases más desfavorecidas a una defensa cerrada de ciertas minorías e identidades que al final acaba favoreciendo a los intereses de los poderes económicos. Estas políticas de la identidad respetan los discursos de estas minorías como algo sagrado, sobre lo que no se puede discutir, puesto que estos grupos han sido calificados como víctimas. Iñaki Domínguez llega a comparar esta situación con la del fascismo, que también calificaba a ciertos grupos o razas como víctimas con derecho a compensar sus injusticias históricas a costa de otros grupos. Quizá en esta parte el autor exagera, por más que lo haga para denunciar una situación, porque, a diferencia de los ciudadanos de los países fascistas, nosotros sí que podemos expresarnos sin temor a perder la vida, aunque sí que podemos tener miedo a la muerte social:

"En esta era digital en que tanto se utiliza la etiqueta de "fascista", quizá sea precisamente internet el medio que esté fomentando un fascismo estructural que da rienda suelta a los más nocivos impulsos humanos, que promueve los boicots y cazas de brujas, que aspira a arruinar las vidas de personas destacadas a través de sus "pecados", ya sean presentes o pretéritos. Hablamos de una sociedad donde el dogma y lo irracional han de imponerse al diálogo y el argumento, donde los partidos de izquierdas que se autodenominan antifascistas se niegan a establecer diálogo (y parlamentar) con periodistas que atesoran opiniones contrarias a las suyas propias (cuando establecer tales diálogos es la esencia misma de toda democracia). El totalitarismo digital y colectivo está, sin duda, afectando a nuestras vidas de una forma crucial."

Una de las características del tiempo que nos ha tocado vivir es la vanidad moral que exhiben numerosas personas en las redes, donde se proyecta un compromiso ético ante los demás que suele tener poco recorrido en la vida real. Muchos quieren ser amados con ese amor artificial y efímero que ofrecen las redes y para conseguirlo no les importa atacar salvajemente al disidente, a aquel que critica los dogmas sociales establecidos. Y así "la moral se convierte de modo llamativo en una palabrería huera frente a un hacer digno que habría de ser desempeñado en la intimidad, sin que otros deban ser conscientes de él."

Bufones es un ensayo muy estimulante que pone el dedo en la llaga de forma valiente en uno de los grandes problemas del siglo XXI. Reivindica al cómico como el gran baluarte de la libertad de expresión, una figura que debería ser respetada por todos, pues es aquel que puede ofrecernos una mirada limpia de los hechos frente a las manipulaciones y sesgos del poder. El bufón contemporáneo puede representar una oleada de aire fresco en este gran panóptico de vigilancia y castigo en el que hemos elegido vivir. In risa veritas.

martes, 24 de diciembre de 2024

RADICAL (2023), DE CHRISTOPHER ZALLA.

El argumento de Radical puede parecer tópico, puesto que se centra en la historia de un profesor muy especial que acaba cambiando la vida de sus jóvenes alumnos, pero en este caso lo radical no se refiere solo a los métodos del maestro, sino al entorno social en el que desarrolla la historia. Se trata de la ciudad mexicana fronteriza de Matamoros, un lugar muy peligroso dominado por las bandas de narcotraficantes. A Sergio, el profesor protagonista, todo esto parece darle igual. Él va a centrar su existencia en estimular a sus alumnos. Y lo va a hacer fomentando que estos tomen las riendas de su propia educación, es decir, de su destino. La película no dulcifica el entorno en el que se desarrolla, sino que esto es un elemento fundamental del reto que se impone Sergio, un don Quijote que debe luchar contra molinos muy poderosos para salvar a estos jóvenes del triste destino que les tiene reservado la sociedad. Radical es un alegato sobre la importancia de la educación, un tema que suele ser poco atractivo para los políticos profesionales (las políticas educativas deben implantarse pensando en el largo plazo y los políticos son adictos al cortoplacismo) y más en un lugar como Matamoros, donde las prioridades tienen que ver más con la supervivencia diaria que con el aprendizaje intelectual.

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domingo, 22 de diciembre de 2024

WILDE (1997), DE BRIAN GILBERT.

Interesante aproximación biográfica a Oscar Wilde que se centra sobre todo en sus relaciones homosexuales, sobre todo con Alfred Douglas, relación que conllevaría una condena a trabajos forzados que destruiría su vida y su arte. El trabajo de Gilbert peca un tanto de academicismo. El director no arriesga, filma de forma correcta pero no deja una impronta personal en la película. La verdadera estrella aquí es Stephen Fry, que ofrece una auténtica lección interpretativa y da vida a un Wilde muy creíble, muy humano, aunque excesivamente amante de los aforismos y las frases ingeniosas en cualquier conversación. Aunque el canto a la tolerancia con todos los tipos de sexualidad es obvio, Wilde no deja de mostrar un retrato un tanto sórdido de las relaciones de su protagonista con muchachos mucho más jóvenes que él, una constante mientras fue un artista poderoso y admirado. Destaca también un sorprendente Jude Law componiendo a un Alfred Douglas que es a la vez ángel y demonio. Una interesante aproximación a la existencia de uno de los escritores más leídos de todos los tiempos.

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domingo, 15 de diciembre de 2024

CUENTOS COMPLETOS (1943-1982), DE TRUMAN CAPOTE. LO INOCENTE Y LO SÓRDIDO.

La vida de Truman Capote estuvo marcada por el temprano abandono de sus padres, que dejaron al niño en una granja de Alabama. donde se educó rodeado de familiares, con el afecto incondicional de su prima Sook Fault, una mujer muy madura con mentalidad infantil y un cariño infinito por el joven Truman. Sook será personaje en varios cuentos que evocan la infancia y el aprendizaje de aquellos años, sobre todo del mejor de todos ellos, El invitado del día de acción de gracias, en el que describe a un compañero de colegio como el ser humano más malvado que había conocido. Nos encontramos ante un relato ejemplar de aprendizaje, en el que un niño que sobrevive como puede a los abusos en la escuela y es plenamente feliz en su hogar, se ve abocado a mezclar ambos mundos, con resultados catastróficos, aunque termina aprendiendo que las cosas no son exactamente como parecen a la hora de juzgar a otros seres humanos.

En otros relatos Capote se descubre como un sutil cronista del espíritu humano. A destacar La forma de las cosas, una narración muy breve que transcurre en un vagón de tren en la que intuimos el enorme drama bélico por el ha pasado uno de los personajes y el trauma que le ha provocado, algo que le marcará de por vida. También resulta magistral La botella de plata, que narra el proceso de concentración de un niño que necesita desesperadamente dinero y dedica varias semanas a calcular cuántas monedas hay guardadas en una botella, motivo de un concurso que apasiona a un pequeño pueblecito.

Aunque muchos de los relatos están marcados por la infancia, también los hay que describen la vida en la gran ciudad, una existencia en muchas ocasiones sórdida, de mera supervivencia o dedicada a intentar dar sentido a una vida desesperada. En este sentido, resulta perturbador el relato En la antesala del paraíso, en el que una mujer frecuenta el cementerio de Nueva York en busca de algún viudo que remedie su inmensa soledad, pero su forma de abordarlos resulta torpe y desasosegante. Los cuentos de Truman Capote, variados en su temática y en su tono, desde los recuerdos infantiles más inocentes a las vidas adultas más sórdidas, son una lectura imprescindible para cualquier amante de la literatura.

sábado, 14 de diciembre de 2024

SECRETOS DE UN ESCÁNDALO (2023), DE TODD HAYNES.

Lo mejor de la película de Todd Haynes es el tono sórdido que se oculta detrás de lo cotidiano. Secretos de un escándalo retrata la relación de una pareja con una gran diferencia de edad, tanto que escandalizó en su momento al país. Cuando una actriz muy ambiciosa se acerca a Gracie, una mujer ya muy madura, para interpretarla en un biopic, descubrirá que ella actúa con su marido más como una madre represora que como una esposa. Joe Yoo, el esposo, es un ser absolutamente reprimido, una víctima del precoz romance que vivió en su adolescencia con una mujer experimentada. Aquí al director no le importa ser criticado por la visión que ofrece de esta relación que quiere aparentar ante el mundo ser una pareja feliz que ha luchado por ello contra viento y marea, pero que en realidad lo que une a los dos son los continuos chantajes emocionales y amenazas veladas de ella contra él. Mientras tanto, la actriz toma apuntes mentales sobre todo lo que está contemplando y pretende prácticamente vampirizar a Gracie, para hacerse con un personaje memorable que le permita afianzar su carrera. Secretos de un escándalo es una rara avis dentro del cine comercial estadounidense, tanto por su temática, como por la valentía con la que aborda un tema que puede resultar muy desagradable para el espectador.

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lunes, 9 de diciembre de 2024

ALIEN: ROMULUS (2024), DE FEDE ÁLVAREZ.

El cine más comercial sigue viviendo del pasado. En esta ocasión se intenta estirar el chicle de la saga Alien con una película que ofrece un compendio de las anteriores entregas, pero sin ninguna emoción ni sorpresa. Alien: Romulus ofrece paradójicamente sus mejores momentos en su primer tercio, cuando se describe a grandes rasgos la vida en una remota colonia comercial en la que los trabajadores son explotados de manera despiadada por una compañía y a los que no se les permite salir del planeta. Los jóvenes protagonistas anhelan escapar de su triste destino y trazan un plan para infiltrarse en una nave que permanece a la deriva en la atmósfera del planeta. Como no podía ser de otra manera, la situación se convierte en un Nostromo 3.0 y el espectador sabe más o menos cómo va a transcurrir la trama, en la que no faltan seres con inteligencia artificial, uno de los puntos más atractivos de la saga, que aquí tampoco se aprovecha en todas sus posibilidades. Buenos efectos especiales, pero en escenas muy oscuras salpican esta película que casi se podría calificar de usar y tirar.

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domingo, 8 de diciembre de 2024

BLITZ (2024), DE STEVE MCQUEEN.

Lo que tan solo un año antes era inimaginable, el bombardeo de Londres noche tras noche por los alemanes, se hizo realidad para los británicos en otoño de 1940. Blitz retrata la odisea de un niño evacuado que no acepta su situación y salta del tren para intentar volver con su madre en la ciudad asediada desde el aire. Así pues McQueen aprovecha para realizar un retrato muy veraz de lo que significaba vivir en un Londres en el que la muerte podía acechar en cualquier momento y en el que abundaban los saqueadores, aunque el Estado estaba muy presente en todo instante, guiando a la población y a veces tomando decisiones absurdas. Algunas de las escenas de bombardeo resultan realmente impresionantes y el director también sabe transmitirnos la angustia de las largas noches que transcurren en el refugio que ofrece el metro. El director aprovecha también la historia que está contando para hablarnos del racismo imperante en aquel tiempo en una Inglaterra que peleaba por defender la democracia frente al totalitarismo (el niño protagonista es el fruto de la relación de su madre con un habitante de las colonias). Lo único que resulta un tanto forzado en la película son las actuaciones de sus interpretes principales, que no llegan a transmitir las complicadas emociones que deberían. 

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sábado, 7 de diciembre de 2024

NO DIGAS NADA (2018), DE PATRICK RADDEN KEEFE. EN EL NOMBRE DE IRLANDA.

Tal y como comenta Patrick Radden Keefe, los orígenes del conflicto en Irlanda casi se pierden en la noche de los tiempos. Lo cierto es que la gente que nacía en el Ulster se impregnaba desde muy joven en una cultura de violencia que se convertía en algo cotidiano, en una forma de vida en la que cada bando exhibía unos objetivos finales imposibles de alcanzar en una comunidad tan dividida. De este tipo de sociedad no es extraño que surgieran personas como dos de las protagonistas de esta historia, las hermanas Price que, de una forma un tanto frívola, fueron consideradas en su momento las terroristas más glamurosas del mundo. Unas hermanas que comenzaron realizando atracos para el movimiento Republicano irlandés y acabaron implicadas en sangrientos atentados del IRA.

Pero la piedra de toque de este libro es la investigación sobre el secuestro y desaparición de Jean McConville, una madre viuda de familia numerosa que fue acusada presuntamente de colaborar con el enemigo protestante y fue separada cruelmente de sus hijos, que quedaron absolutamente desamparados en un ambiente hostil. El autor aprovecha episodios como éste para describir el ambiente bélico que reinaba en ciudades como Belfast, una urbe dividida entre dos comunidades irreconciliables, en la que pululaban ejércitos clandestinos que combatían a la policía local y al ejército británico en sus laberínticas calles y edificios. Una ciudad en la que los nervios estaban constantemente a flor de piel y en la que cualquier pequeña chispa desataba frecuentes disturbios a los que ya estaba habituada la población.

Una de las verdades más crudas del terrorismo es que actúa con una crueldad desmesurada con sus víctimas y a algunas de ellas las hace desaparecer, sumiendo en la desesperación y la incertidumbre a sus familiares. Esto es lo que sucedió durante décadas con los hijos de Jean McConville, una investigación que el libro sigue con pasión hasta dar finalmente con los presuntos culpables de la cruel ejecución. Eran normas no escritas de aquel tiempo en el que los presuntos traidores que informaban al enemigo eran considerados la peor escoria, aunque estos fueran más abundantes de lo que ambos bandos querrían reconocer. Mientras tanto, seguimos la trayectoria de las hermanas Price, sus participaciones en atentados, su captura, las sonadas huelgas de hambre que protagonizaron en prisión y finalmente su adaptación a la paz derivada de los Acuerdos del Viernes Santo. 

La increíble investigación de Patrick Radden Keefe tiene un trasfondo humanista, el estudio de unas existencias marcadas por el fenómeno de la violencia como algo habitual en sus vidas:

"El entramado que formaban las vidas de Jean McConville, Dolours Price, Brendan Hughes y Gerry Adams me inspiró a contar una historia sobre cómo ciertas personas llegan a radicalizarse en su inflexible devoción a una causa, y sobre cómo unos individuos —y toda una sociedad— dan sentido a la violencia política una vez que han atravesado el crisol y por fin tienen tiempo para reflexionar."

viernes, 6 de diciembre de 2024

LA PAREJA PERFECTA (2024), DE JENNA LAMIA Y SUSANNE BIER.

Otra serie que aprovecha la tendencia actual en este formato para retratar con detalle - y mucha ironía y mala leche - las vidas inalcanzables e imperfectas de los ricos. Aquí contemplamos los preparativos de una boda de ensueño que son interrumpidos por la muerte misteriosa de una de las invitadas. Poco a poco vamos conociendo a los protagonistas que, por supuesto tienen personalidades complicadas y secretos inconfesables. La pareja perfecta peca de usar muchos tópicos, pero no puede negarse que es una serie entretenida y se sigue con interés, porque sabe dosificar la intriga capítulo a capítulo, con abundancia de escenas de interrogatorios y oportunos flashbacks. Una mirada ácida y divertida a la existencia de esos seres inalcanzables que habitan sus lujosas vidas ejerciendo las pequeñas cuotas de poder local que les permite su posición social. 

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domingo, 1 de diciembre de 2024

EN EL NOMBRE DEL PADRE (1993), DE JIM SHERIDAN.

Retrato de una de las más grandes injusticias cometidas por la justicia británica, En el nombre del padre se inscribe en el contexto del conflicto de Irlanda del Norte, en sus años más duros, en los que el IRA cometía atentados en el corazón de Londres. La necesidad de encontrar un culpable a la sangrienta bomba colocada en un pub llevó a que se arrestara a unos jóvenes que se encontraban en el lugar equivocado en el momento equivocado y que dicha ola justiciera se llevara también a su familia. La película comienza con una soberbia descripción de lo que era la vida cotidiana en el Ulster y cómo cualquier pequeño evento podía desatar la violencia. Aunque Daniel Day-Lewis ofrece una interpretación magistral, el alma de la película es Pete Postlethwaite interpretando a su padre, un hombre bueno por naturaleza que acepta resignado su destino en prisión e intenta insuflar esperanza a su hijo siempre desde una posición de extrema decencia. Como drama judicial En el nombre del padre también funciona como una película vibrante y emocionante, aunque el espectador ya conozca a priori el resultado final del caso de los cuatro de Guildford. Una película modélica en todos los sentidos. Sorprende que Sheridan se superara a sí mismo poco tiempo después entregando esa obra maestra llamada The boxer.

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sábado, 30 de noviembre de 2024

HEREJÍA (2024), DE CATHERINE NIXEY. LAS VIDAS DE JESUCRISTO Y OTROS SALVADORES DEL MUNDO ANTIGUO.

La palabra herejía, de connotaciones tan negativas con la llegada del cristianismo, originariamente simplemente significaba elección. Es esa posibilidad de elección la que eliminó ese cristianismo triunfante que persiguió toda disidencia y al que la historia recuerda todavía como religión perseguida por los romanos. Catherine Nixey ha escrito un ensayo muy ameno de cómo convivieron durante siglos distintas interpretaciones del mensaje de Cristo, distintos Evangelios (algunos ciertamente muy insólitos) y cómo finalmente triunfó la versión que todos conocemos hoy. Pero podría muy bien no haber sido así, porque se trató de una competencia feroz entre distintas visiones del mensaje de Cristo que fueron reprimiéndose desde el poder, cuando el cristianismo pasó a ser la religión oficial del Imperio:

"Durante aquellos años la magnífica variedad religiosa que en otro tiempo había florecido dentro del Imperio romano empieza a desvanecerse. Empieza a desvanecerse la enorme y sorprendente profusión de aquellos cristianismos primitivos: sectas que adoraban a un solo ser divino, o a dos, o a una divinidad masculina-femenina, o a un Jesús que se había reído durante su crucifixión. Y no siempre debido a fuerzas hostiles; algunas de esas sectas no habría sido preciso reprimirlas y se hubieran extinguido de todas maneras. Algunas estaban ya medio muertas; sencillamente, el hecho de que nazca una religión no significa que vaya a sobrevivir."

Si el recuerdo de todas estas herejías que presentaban a Jesús como un niño asesino, como un anciano con barba o con la apariencia de un dios griego se ha desvanecido en el tiempo es porque la persecución de las mismas fue implacable y su éxito incontestable, aunque algunas permanecieron vivas en lugares remotos y fueron descubiertas muy posteriormente. Uno de los relatos más curiosos del siglo I es el de Apolonio, un Jesucristo alternativo cuya historia quizá sirvió de inspiración a la que hoy conocemos o quizá fue al contrario. Lo cierto es que sabemos muy poco de aquella época, ya que las fuentes alternativas se fueron destruyendo despiadadamente y solo permaneció el relato oficial que ha llegado hasta nuestros días, en el que el cristianismo aparece como una religión perseguida que acaba triunfando por la virtud de sus militantes y se obvia la feroz persecución a los herejes emprendida cuando los cristianos toman el poder. 

Como sucedía con La edad de la penumbra, Herejía es un relato deslumbrante acerca de los orígenes de nuestra cultura, unos orígenes que podrían haber sido muy diferentes si hubiera triunfado alguno de los relatos alternativos sobre la vida de Jesús que compitieron en aquel escenario verdaderamente darwiniano. Conocer las auténticas fuentes de la Historia nos permite relativizar el relato de los vencedores y asomarnos, aunque nuestra visión sea muy deficiente, al de los vencidos, a una riqueza cultural y religiosa que se fue extinguiendo por la dureza de la represión emprendida contra ella. 

sábado, 23 de noviembre de 2024

EL BELLO SERGIO (1958), DE CLAUDE CHABROL.

El bello Sergio comienza con el regreso de un joven a su pueblo después de haber pasado muchos años en la ciudad. Allí encontrará un ambiente un poco asfixiante y al que fue su mejor amigo convertido en un alcohólico que trata mal a su mujer. La vida pueblerina es presentada aquí de manera un tanto salvaje, pero el protagonista es un hombre que se compromete a sacar a Sergio del pozo en el que se encuentra en nombre de su antigua amistad. Frente a otras visiones, la vida pueblerina aquí no se encuentra idealizada, sino que parece que la cultura adquirida en la gran urbe es superior en confrontación a la cerrazón de los habitantes de un lugar en el que se han enquistado conflictos que solo pueden ser resueltos con la llegada de un factor externo. En este sentido, El bello Sergio tiene también mucho de antropológico, pues ofrece al espectador una completa muestra de lo que es la vida rural, de lo aislada, aburrida y absurda que puede llegar a ser. La película de Chabrol, la primera del cineasta, es una especie de precedente de la nouvelle vague, aunque todavía con más elementos del cine clásico que innovadores. 

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domingo, 17 de noviembre de 2024

JOKER: FOLLE À DEUX (2024), DE TODD PHILLIPS.

La secuela de Joker de Todd Phillips ha desconcertado a muchos, pues el tono de esta película cambia radicalmente respecto a la anterior. Aquí nos encontramos con un Arthur Fleck encarcelado y absolutamente derrotado que espera resignado su juicio y su condena. En Joker: Folle à deux apenas aparece rasgos del tono anarquista de la anterior, hasta el punto de que muchas de sus escenas son pura ensoñación musical de un protagonista que intenta recuperar su momento de gloria, estimulado por la presencia de un nuevo personaje, una Harley Quinn que no quiere saber nada de Arthur Fleck, solo le interesa el Joker. Frente a la oleada de críticas negativas, nos encontramos ante un producto sólido, original e inesperado, que repite la brillantez formal del título anterior, pero que intenta llevar la historia por otros derroteros mucho menos épicos, apostando por lo escapista e incluso lo fantástico. Todo ello deriva de la sordidez de la situación de Arthur Fleck, un hombre con serios traumas que finalmente no quiere ser devorado por el personaje que ha inventado. No sabemos si la saga de este particular universo de Todd Phillips seguirá por otros derroteros, pero todo tiene pinta de que esta película concluye la historia que el director quería contar.

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sábado, 16 de noviembre de 2024

MOONRAKER (1955), DE IAN FLEMING Y DE LEWIS GILBERT (1979).

Aunque oficialmente la película sea una adaptación de la tercera de las novelas de la saga Bond de Ian Fleming, en realidad prácticamente solo aprovecha del material literario el título y el nombre del villano. La novela transcurre enteramente en Inglaterra y el objetivo de Hugo Drax no es la creación de una nueva raza humana en el espacio, sino la destrucción de Londres, en venganza por la derrota de la Alemania nazi diez años antes. Moonraker supera a las dos anteriores obras de Fleming en profundidad psicológica del protagonista. Aquí vemos a un Bond muy alejado del que adaptó Roger Moore. Se trata de un personaje frio y calculador que tiene una gran devoción a su trabajo y a su jefe y además aparece en algún capítulo en actitudes de acosador sexual que serían impensables hoy día. Fleming quiere transmitir a un personaje sacrificado en su misión de defender a Inglaterra, pero que también es capaz de disfrutar de una buena partida de cartas y de una buena comida.

La adaptación cinematográfica es una de las peores producciones de la saga Bond, ofreciendo secuencias muy espectaculares, como la del salto en avión sin paracaídas, en contraste con otras realmente ridículas e infantiles, como la mayoría de las intervenciones de Tiburón, un secuaz del villano que tenía potencial para convertirse en uno de los más siniestros, pero que acaba transformado en una parodia de sí mismo. En su último tercio la película se convierte en un puro delirio que quiere acercarse al reciente éxito de Star Wars, pero queda muy por debajo de ésta en emoción y en efectos especiales. No obstante se puede romper una lanza a favor de Moonraker en el sentido de pura diversión cinematográfica, sin más pretensiones que pasar un buen rato delante de la pantalla. Así sí funciona bastante bien la película de Lewis Gilbert, sobre todo cuando va mostrando la investigación de 007 por diversas partes del mundo. A destacar la presencia de Corinne Cléry, la chica Bond que probablemente tiene la muerte más cruel por parte del villano. Y es que no había chica que pudiera resistirse a una noche de pasión con el Bond de Roger Moore, que solo con mirarlas ya las seducía y las ponía en disposición de contarle todos los secretos de su jefe.

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domingo, 10 de noviembre de 2024

LAS LECCIONES DE BLAGA (2023), DE STEPHAN KOMANDAREV.

Como suele ser costumbre en el cine de Europa del Este, el retrato que ofrece de Bulgaria la película de Komandarev es desalentador. Es como si el país no se hubiera librado todavía del todo de su pasado comunista y no fuera capaz de adaptarse a un capitalismo de rostro humano. Blaga es una anciana que sobrevive ofreciendo clases particulares y cuyo mayor anhelo en ese momento es ofrecer una sepultura digna al marido que acaba de fallecer. Un día cae en un timo telefónico de lo más burdo - aunque también bien elaborado  - y pierde todos sus ahorros. A partir de ahí, como le sucede al protagonista de Breaking bad, la exprofesora abrazará su lado más oscuro e intentará recuperar su dinero aliándose con los timadores. Las lecciones de Blaga no ofrece concesiones en su retrato de un mundo oscuro y triste, cuya mejor metáfora es el mamotreto de la era comunista (el monumento más grande la zona) que decora un monte en la ciudad de Shumen. Es como si la película fuera una metáfora de la pérdida de la inocencia de una sociedad que ha estado dormida hasta ahora y que debe despertar a base de golpes, sobre todo en aquellos, como Blaga, que fueron alumnos y luego educadores en el Régimen comunista. Desde luego el final de Las lecciones de Blaga no puede ser más cruel dejando al espectador con una sensación de desasosiego que permanece bastante tiempo después de haber acabado de ver la película.

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sábado, 9 de noviembre de 2024

NEXUS (2024), DE YUVAL NOAH HARARI. UNA BREVE HISTORIA DE LAS REDES DE INFORMACIÓN DESDE LA EDAD DE PIEDRA HASTA LA IA.

Si algo ha cimentado el éxito de la especie humana y su dominio de nuestro mundo ha sido la capacidad de establecer redes de comunicación cada vez más extensas. Este progreso se ha basado en nuestra capacidad de inventiva. Aunque muchos de estos avances tecnológicos fueron calificados al principio como peligrosos, como potenciales verdugos de la Humanidad, el resultado ha sido siempre positivo. Con la IA, las cosas, según Harari, pueden ser diferentes, pues se trata de una tecnología que puede escapar a nuestro control. El fundamento de la Inteligencia Artificial es ser creativa en la búsqueda de un objetivo y esa creatividad puede dar lugar a riesgos insospechados.

En Nexus, Harari incide en una idea que ya estaba presente en libros anteriores, la necesidad del ser humano de crear y creer en ficciones. La sociedad se fundamenta sobre leyes e instituciones que son pura creación humana y que cualquier acontecimiento disruptivo puede destruir, aunque sea brevemente, como hemos visto recientemente en Valencia. Los grandes imperios y naciones necesitan unidad en un objetivo común, y esto puede conseguirse también mediante libros sagrados que crean religiones que mantienen a la gente alejada de unas verdades que pueden ser peligrosas para mantener el orden social:

"Poseer gran cantidad de información no garantiza ni la verdad ni el orden. Utilizar la información para descubrir la verdad y al mismo tiempo emplearla para mantener el orden es un proceso complicado. Lo que empeora las cosas es que estos dos procesos suelen ser contradictorios, porque con frecuencia resulta más fácil mantener el orden mediante ficciones."

Así pues, tal y como dice el autor la burocracia y la mitología, puras creaciones humanas, son fundamentales para mantener nuestro modo de vida. A veces las redes de información propagan noticias tóxicas y no hay que esperar a la aparición de internet para encontrar ejemplos históricos La caza de brujas que se dio en Europa y en Estados Unidos surgió de una teoría de la conspiración completamente absurda, pero que gozó de singular éxito, arruinando miles de vidas de gente inocente. Las redes sociales de las que gozamos en la actualidad pueden multiplicar dichos efectos dañinos y si son utilizadas por gente inadecuada pueden intoxicar la información haciéndonos creer cualquier cosa que sirva a sus oscuros intereses.

Toda esta sofisticación en el manejo y manipulación de la información y en la rapidez de su divulgación era impensable para los más poderosos de hace siglos, como los emperadores romanos, que no podían ni soñar con un control de la población como el que es posible hoy en día. El principal problema es que una dictadura utilice esta tecnología para mantenerse en el poder, centralizando toda la información que llega a los ciudadanos, impidiendo así toda disidencia. El otro gran peligro que expone Harari es el de la IA. Se trata de algo tan revolucionario como peligroso, pues se puede escapar a nuestro control, hasta el punto de que si le dejamos tomar decisiones no sabemos cual será su patrón de pensamiento, pero es posible que se aleje mucho del humano. La clave está en dejar nuestros objetivos de progreso en una tecnología capaz de tomar decisiones por sí misma, sin intervención humana. Es posible que al final su comportamiento sea monstruoso si dicho comportamiento sirve a los resultados buscados. Lo que es seguro es que las próximas décadas esta tecnología se desarrollará de forma inevitable. Si esto nos lleva a una edad dorada o al más absoluto de los desastres, está por ver. 

domingo, 3 de noviembre de 2024

ESPAÑA FRENTE A EUROPA (1999), DE GUSTAVO BUENO. NACIÓN E IMPERIO.

Acerca del origen de la nación española y sobre su mera existencia presente se han escrito ríos de tinta, pues nuestro país siempre ha sido anómalo en cuanto a su propia identidad. Quizá uno de nuestros grandes problemas fue la apropiación interesada de nuestra historia por parte de la dictadura franquista, que convirtió el concepto de España en algo rancio y eternamente de derechas. Cuarenta años después, no se ha conseguido vertebrar un país carente de las enormes tensiones territoriales que siguen presentes y condicionan la vida política de manera desproporcionada respecto a las verdaderas necesidades de los españoles.

Para Gustavo Bueno la realidad de España es un hecho apodíctico, una comunidad política de surge con un objetivo común y frente a un enemigo común y que, en cierto modo, es heredera del Estado visigodo:

"La nación, en su sentido moderno, representa un nuevo género de solidaridad derivada del oficio, de la religión o del negocio: es una solidaridad nueva, cuyo contenido es el propio de una comunidad política que se recorta frente a otras comunidades políticas. Esta nueva sociedad política, entendida como una sustancia dinámica en marcha hacia un futuro lleno de promesas para satisfacer los intereses de todos, es lo que comenzará a llamarse nación, en sentido político."

Después de definir España en términos de nación biológica, nación étnica y finalmente política, para convertirse finalmente en una nación moderna a principios de finales del siglo XVII. España frente a Europa se ocupa ampliamente también del proyecto común de Imperio desarrollado por la monarquía española, estableciendo un legado de luces y sombras, pero en el que prima más lo positivo, por no ser considerado un imperio depredador, sino integrador, aunque lo fuera desde un punto de vista religioso además de político. Por supuesto, frente a todo esto existe la leyenda negra, que Bueno trata de combatir con una interpretación erudita de numerosos textos y testimonios de la época.

España frente a Europa no es un ensayo de lectura fácil. Unifica filosofía e historia en búsqueda del ser de España, algo que ya intentaron otros pensadores como Ortega o Unamuno. Así pues, el libro de Gustavo Bueno constituye un trabajo intelectual de primer orden que se esfuerza en ordenar conceptos y normalizar el hecho de que España sea una nación, cuyos orígenes pueden ser similares a otras europeas, aunque sus tradiciones religiosas y filosóficas sean diferentes.

sábado, 2 de noviembre de 2024

THE KNICK (2014), DE STEVEN SODERBERGH.

Una maravillosa evocación del Nueva York de 1900 a través del retrato del funcionamiento de un hospital de la época. El Knickerbocker no era un centro médico más, era un lugar donde se hacía avanzar la ciencia a través del trato diario con los pacientes  y de las ideas revolucionarias de ese genio que es el protagonista, el doctor Thackery. The Knick no se anda con rodeos a la hora de mostrar imágenes absolutamente realistas de las operaciones y otros procedimientos médicos, pues la esencia de la serie es mostrar el sufrimiento y la lucha de estos médicos pioneros por paliarlo, por lo que lo que muchas de las intervenciones quirúrgicas son auténticas ceremonias que se desarrollan en una especie de teatro con público especializado (y a veces periodistas) a los que se les instruye acerca de los procedimientos realizados. Pero la serie va mucho más allá del microcosmos del hospital y ofrece una mirada precisa - tanto que al espectador le parece que la serie está rodada en pleno año 1900 - sobre la vida cotidiana en una gran ciudad a principios del siglo XX, en un tiempo de grandes cambios, en el que el transporte a caballo empezaba a ser sustituido por el de motor, la mujer comenzaba a tomar relevancia y Nueva York se llenaba de inmigrantes llegados desde todos los puntos del planeta. Todo esto está retratado de manera magistral, pues se nos muestra la existencia de todas las clases sociales y sus interacciones. Es una lástima que esta serie no sea más conocida, pues se trata de un trabajo ejemplar en cuanto al retrato de una época.

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SEGUNDO PREMIO (2024), DE IÑAKI LACUESTA.

Una extraña película la que se ha elegido para representar a España en los premios Oscar. Segundo premio, cuenta la complicada elaboración del tercer disco del grupo Los Planetas. La componente femenina del grupo decide abandonar la música, el grupo debe encontrar a un nuevo batería y además el guitarrista empieza a consumir alcohol y drogas en exceso (todos lo hacen, pero parecen controlar) una circunstancia que crea mal ambiente y pone en peligro el trabajo conjunto. Segundo premio retrata muy bien la noche granadina, los antros donde se dio a conocer el grupo y la gestión de la fama, que lleva al líder del grupo a solicitar que el disco se grabe en Nueva York. La película de Lacuesta está repleta de soluciones visuales originales y arriesgadas, muy en consonancia con el estilo de un grupo irrepetible. Sus componentes están retratados como gente muy peculiar, con una forma muy particular de cultivar su amistad. Lo único que importa es la música y si la inspiración para la misma se basa en fumar, beber y drogarse de manera francamente peligrosa, ellos eligen este camino. Segundo premio no es una película para todo el mundo. En primer lugar, hay que estar familiarizado con la peculiar música de Los Planetas y comprender que la épica en esta ocasión se encuentra en relaciones que muchos podrían calificar de tóxicas. Una propuesta diferente y arriesgada cuyo resultado cinematográfico resulta muy irregular.

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viernes, 1 de noviembre de 2024

LIBERTATE (2023), DE TUDOR GIURGIU.

Crónica de la revolución rumana contra Ceausescu desde su epicentro, la ciudad rumana de Sibiu. Libertate retrata muy bien el caos de esos días y la confusión entre bandos, siendo muy realista al mostrar la angustia de una situación en la que nadie sabe muy lo que está sucediendo. El destino de cada cual dependía meramente de la suerte. Unos eran considerados terroristas adictos al Régimen y otros liberadores, aunque su pasado como esbirro del dictador dejara mucho que desear. Tudor Giurgiu quiere dar dinamismo a su película, al menos en su primera parte, repleta de acciones de violencia, tiros y mucha confusión. Luego la película se detiene en la situación de los capturados, que están retenidos en una piscina sin agua en un centro deportivo. En realidad, lo que nos quiere decir Libertate es que después de un régimen criminal que ha durado décadas y que ha necesitado de la colaboración necesaria de buena parte de sus ciudadanos, es francamente difícil establecer quienes son los culpables y quienes se han mantenido completamente al margen (algo muy difícil en la Rumanía de Ceausescu). Los capturados se sientes chivos expiatorios de la culpa colectiva y seguramente tienen razón en su apreciación. Si bien a los occidentales nos llegaron ante todo las imágenes del fusilamiento del dictador, en la película podemos apreciar con detalle que se produjeron muchísimas más víctimas colaterales.

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domingo, 27 de octubre de 2024

LA INFILTRADA (2024), DE ARANTXA ECHEVARRÍA.

Los que tenemos ya algunos años recordamos cómo los atentados de ETA - y los éxitos policiales contra sus comandos - abrían frecuentemente los telediarios en un conflicto que duró décadas y cuyas consecuencias (el llamado relato) sigue siendo objeto de profundas polémicas. La infiltrada se basa en la historia real de una policía nacional que se infiltró en círculos radicales para acabar conviviendo con miembros de ETA. La película se centra en la angustia de la protagonista, que pasa muchos años interpretando un papel y compartiendo su tiempo con gente que le repugna, una mujer en un mundo de hombres (tanto el de sus enemigos como el del Cuerpo al que pertenece) cuya tenacidad evitó muchas muertes. Y una de las características del conflicto que asoma en La infiltrada es la escasa colaboración entre Policía Nacional y Guardia Civil, colaboración que de haberse producido hubiera evitado mucho dolor. Aquí se ve cómo ambos cuerpos eran más bien rivales y les disgustaban los éxitos del otro. Pero más que una reflexión sobre los males del terrorismo, la película de Arantxa Echevarría es un magnífico thriller que deja al espectador sin aliento en numerosas escenas, toda una obra ejemplar del género que ha sabido aprovechar de forma muy efectiva la historia real en la que se basa.

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sábado, 26 de octubre de 2024

YOU´RE THE ONE (2000), DE JOSÉ LUIS GARCI.

You´re the one es un viaje sentimental a la Asturias de finales de los cuarenta. La moral franquista se mantiene en el pueblo de Cerralbos del Sella gracias a la presencia de un cura que al final resulta no ser tan estricto como parecía al principio. Los habitantes sobreviven con pequeñas gratificaciones, como las películas que se proyectan en el bar del pueblo y en cierto modo el retrato que ofrece Garci de esa época es idílico, ya que se está evocando la propia juventud. La protagonista viaja al lugar donde transcurrió su infancia huyendo del trauma que le ha producido la muerte de su marido, un intelectual antifranquista que ha sufrido la represión del Régimen. Allí va a encontrar la paz de espíritu que ha perdido en la asfixiante capital. You´re the one es cine contemplativo, de sentimientos, un retrato preciso de la vida un lugar apartado al que el entorno natural convierte en un paraíso. Conocemos la vida cotidiana del profesor, de los alumnos y de algunos otros habitantes y cómo impacta en Julia su regreso a unos orígenes mucho más sencillos que la vida que ha llevado de adulta.

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domingo, 20 de octubre de 2024

NIÁGARA (1953), DE HENRY HATHAWAY.

Con un solo vistazo al cartel, se puede intuir que el principal reclamo para los espectadores de esta película es el protagonismo de Marilyn Monroe. Pero Niágara es mucho más. Funciona perfectamente como una sórdida obra de cine negro cuyo espectacular escenario se integra perfectamente en la acción. Destaca en la misma el contraste entre las dos parejas protagonistas: la que conforman Marilyn Monroe y Joseph Cotten, sumida en una espiral autodestructiva y la recientemente casada, un modelo de armonía que refleja perfectamente el american way of life. Como bien dice la voz en off al principio de la película, tal y como las cataratas surgen de aguas tranquilas que después se precipitan violentamente por un acantilado, así la acción de Niágara va haciéndose más tensa y sórdida a los ojos del espectador. El papel de Marilyn Monroe es muy diferente al que estamos acostumbrados. Aunque al principio parece la misma rubia ingenua, en realidad en su cabeza anidan planes muy siniestros, aunque solo podamos intuir el verdadero origen de los mismos. La última escena, la del barco precipitándose hacia las cataratas, es un prodigio técnico para la época. Película con los tiempos muy bien medidas, la obra de Henry Hathaway sigue siendo muy estimulante para el espectador actual.

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sábado, 19 de octubre de 2024

DICK TRACY (1990), DE WARREN BEATTY.

Recuerdo que esta película fue un gran éxito cuando se estrenó, pero hoy se encuentra bastante olvidada y ha envejecido muy mal. Warren Beatty se empeñó en adaptar el famoso cómic de Chester Gould y el resultado es una traslación muy particular de las tiras a la gran pantalla. El ambiente en el que se desenvuelven las aventuras del protagonista oscila entre el sueño y la realidad, ya que la puesta en escena es lo mejor de esta película, muy exquisita y apegada al mundo del cómic. Pero Dick Tracy falla en el retrato de sus personajes, demasiado básico. El protagonista no tiene ninguna profundidad, más allá de ser un heroico policía incorruptible y los malos - todos gente terriblemente deforme - son gangters sin más motivación que la de matar al protagonista para hacerse con la ciudad. La película no aburre y contiene ideas interesantes e incluso arriesgadas, pero el conjunto resulta demasiado convencional. La presencia de Madonna, como gran estrella de la época tampoco aporta nada, más allá de un insulso intento de romance.

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domingo, 13 de octubre de 2024

DESPOJOS (2012), DE RACHEL CUSK. SOBRE EL MATRIMONIO Y LA SEPARACIÓN.

Un divorcio es una de las experiencias más estresantes que puede vivir una persona. En muchas ocasiones, donde había amor, a veces intenso, solo queda resentimiento, incluso odio. Un proyecto en común se ha hecho pedazos y cada una de las partes que lo conformaban ha de reconstruirse mientras intenta llegar a un acuerdo con su expareja, que puede mantener una posición hostil hacia el mismo. Rachel Cusk habla con singular crudeza sobre su propia experiencia. Intentó con su pareja establecer una relación en la que se invirtieran los papeles tradicionales de género, ella trabajando y él en casa, limpiando y cuidando de las niñas. Parece ser que algo dentro de ella, según cuenta, se rebelaba contra esta situación, entre otras cosas porque ella terminaba asumiendo su rol tradicional cuando volvía a casa. Al final todo estalla de la manera más cruel. Su definición de matrimonio, como orden, queda lastrada:

"El matrimonio es un modo de manifestación. Absorbe el desorden y lo manifiesta como orden. Reúne cosas distintas y las convierte en una sola. Recibe caos, diversidad y confusión y los convierte en forma."

Así pues, Despojos, se convierte en la crónica descarnada de un sufrimiento íntimo que se materializa también frente a los demás, puesto que su situación frente a las amistades y el resto de las parejas conocidas se ha deteriorado. Además, están las dos niñas, seres inocentes que no comprenden la nueva situación e intentan tímidamente reconciliar a sus padres y que todo vuelva a ser lo que era. Mientras tanto la narradora experimenta una situación psicológica extraña, una especie de expulsión del universo femenino que ya iba notando dentro de su matrimonio. Y eso convierte su ira en algo absolutamente irracional, pues acaba identificándose con el personaje mitológico de Clitemnestra, que mató a su marido Agamenón a su vuelta de la guerra de Troya. 

Al final la protagonista no tiene más remedio que conocer a otros hombres, pero lo hace de manera apática, sin ilusión. Parece como si algo muy básico dentro de ella se hubiera roto y fuera incapaz de recomponerlo: odia el matrimonio, pero también sufre intensamente su soledad y su lo que considera un fracaso vital, aunque el libro acaba con una esperanza de recomposición, una vuelta a sentirse viva. Resulta curioso que el último capítulo se escriba desde el punto de vista de un ser aún más desgraciado que ella y que esta muchacha sea capaz también de encontrar su camino frente a un pasado violento y trágico.

DON QUIJOTE DE LA MANCHA (1947), DE RAFAEL GIL.

Con la mitología imperial por bandera, característica del primer franquismo, era lógico que el cine de la época quisiera una adaptación de la obra inmortal de Cervantes, aprovechando que se celebraba el cuarto centenario del escritor. Considerada la película más fiel a la novela, sigue siendo una obra muy correcta a los ojos del espectador de hoy, aunque es inevitable que destile la amargura de un personaje con sueños de grandeza que se topa incesantemente con la dolorosa realidad. Algo parecido le pasaba a aquel Régimen, cuyos sueños imperiales debían esperar frente a una población hambrienta y con todo tipo de necesidades. Dotada de un gran despliegue de medios para el cine español de la época, la adaptación resulta muy entretenida, aunque algo teatral en algunas escenas. El espíritu de Gil parece ser arriesgar lo menos posible, no innovar, sino encomendarse al espíritu de Cervantes y recrear lo más exactamente posible las páginas del Quijote. Destaca también la gran interpretación de sus dos protagonistas, Rafael Rivelles y Juan Calvo, así como la presencia de una joven Sara Montiel y de Fernando Rey interpretando al bachiller Sansón Carrasco.

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sábado, 12 de octubre de 2024

LA HUELLA (1972), DE JOSEPH L. MANKIEWICZ.

A veces el cine y el teatro se dan la mano y conciben obras tan magistrales como ésta. Pocas veces hemos visto en pantalla un escenario tan conseguido como el que se muestra en esta película. Se trata de la casa de uno de los protagonistas, un coleccionista de objetos raros, el lugar perfecto para que se produzca el mítico duelo interpretativo entre Laurence Oliver y Michael Caine. La huella exige plena atención al espectador debido a los muchos giros de guion que contiene, pero a cambio ofrece una diversión plena, puesto que el interés por la enrevesada trama, lejos de decaer, intensifica su interés hasta el inspirado final. Uno de los personajes es un aristócrata. El otro es dueño de una peluquería, pero ambos se comportan de una manera similar bajo una apariencia caballeresca. Al final la película puede funcionar como una especie de metáfora de lo que es la existencia: una lucha permanente para ser más ingenioso y decidido que los semejantes y adquirir la mejor posición. Todo ello en el escenario de una casa en la que el espectador no puede dejar de mirar cada detalle de la misma, cada muñeco, cada pequeña trampa preparada para sorprender al visitante. Una película mítica que sigue funcionando igual de bien que el día en el que se estrenó.

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ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO (1975), DE MILOS FORMAN.

Protagonismo absoluto para Jack Nicholson en una película cuyo papel principal está concebido a su medida. Alguien voló sobre el nido del cuco es ante todo un canto a aquellas personas que son apartadas y marginadas por parte de la sociedad por apartarse del orden establecido. Los locos reciben con la llegada de Randie McMurphy a un líder natural tan carismático como imprevisible. La película muestra, de un modo tragicómico, los métodos de la psiquiatría tradicional que sirven más para intentar tener pacientes mansos que para recuperarlos a la vida social. Lo más original es que la villana sea una enfermera que trata de imponer una autoridad tiránica sobre los internos, autoridad que cuenta con todo el respaldo institucional. La película es una perfecta hija de una época en la que el cine se permitía no ofrecer discursos morales, sino mostrarse ambiguo en este aspecto para el espectador. Alguien voló sobre el nido del cuco ha quedado como todo un clásico cuyos personajes y escenas se encuentran en el imaginario colectivo.

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domingo, 6 de octubre de 2024

VIDAS ANTE EL ABISMO (2023), DE OLIVER HIMES. ALEMANIA, 1943.

A principios de 1943, el panorama de la Segunda Guerra Mundial, que hasta entonces había favorecido a los alemanes, cambió radicalmente con la derrota de Stalingrado. Los habitantes de las ciudades alemanas sintieron una especie de escalofrío en su espina dorsal y trataron de seguir con sus vidas, aunque la situación en el país irá volviéndose cada vez más asfixiante, sobre todo después de que Goebbels proclame la guerra total y el Estado apueste radicalmente al todo o nada: o la victoria o la derrota más espantosa. 

Vidas ante el abismo toma como eje narrativo la historia de Karlrobert Kreiten, un pianista que cometió la imprudencia de hacer unos comentarios en contra del Régimen frente a quien no debía. Hasta entonces Kreiten había disfrutado de una vida de éxito, puesto que su talento era muy apreciado en toda Alemania e incluso fuera de ella. A partir de su caída en desgracia el pianista conocerá las duras condiciones de encarcelamiento de quienes eran considerados traidores y la radicalidad de la justicia alemana de aquel momento de locura, en el que las ciudades del Tercer Reich comenzaban a sufrir ataques aéreos masivos por parte de ingleses y norteamericanos. 

El libro de Oliver Himes describe un completo panorama de la intimidad de los alemanes en un momento terrorífico, en el que las condiciones de vida iban deteriorándose progresivamente, pero en el que todos sabían que lo peor estaba por llegar, puesto que cualquier observador objetivo sabía que en aquel momento era cuestión de tiempo que Alemania perdiera la guerra. Acciones tan simbólicas como la de los miembros de la Rosa Blanca de poco iban a servir ante un Régimen totalitario cuyo afán era extender el terror entre todos los ciudadanos para que todos cumplieran con su papel en el esfuerzo de guerra sin rechistar. Resulta terrorífico simplemente imaginar lo que pasaría por la cabeza de los ciudadanos decentes en esos momentos: a la desgracia de tener a los hijos muriendo en el frente se sumaba la destrucción cada día más intensa de los centros urbanos. Una agonía que se prolongó durante dos años y media y que desembocó en la más absoluta y destructiva derrota de la historia.

LA VIRGEN ROJA (2024), DE PAULA ORTIZ.

Al igual que hiciera Fernando Fernán Gómez en su momento, Paula Ortiz basa su película en un caso real sucedido en España en la primera mitad del siglo XX. Se trata de un hecho insólito: una madre que concibió a su hija con un plan extremo educativo y moral, con el objetivo de convertir a ésta en la mujer del futuro: independiente y extremadamente libre, una criatura que superara las limitaciones impuestas por el patriarcado. Con esta fascinante premisa, La virgen roja se centra en las relaciones entre madre e hija, que al principio son un ejemplo de armonía, pero se tensan con la adolescencia de Hildegart. El conflicto, según se narra en la película surge principalmente por el enamoramiento de la adolescente, sentimientos que son reprimidos por la madre, pues son tomados por ésta como una debilidad y un desvío intolerable en el camino intelectual de su hija. A la vez se describe a grandes rasgos el ambiente político en la Segunda República en las filas del Partido Socialista. Una época de grandes esperanzas que eran también alimentadas por la presencia de una joven tan extraña. La virgen roja nos habla de cómo las ideas de plena libertad pueden engendrar los más escalofriantes totalitarismos, también en la izquierda. La pureza y la degradación más absoluta se dan la mano en una historia que acabó demasiado prematuramente.

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sábado, 5 de octubre de 2024

LECTOCRACIA (2023), DE JOAQUÍN RODRÍGUEZ. UNA UTOPÍA CÍVICA.

Vivimos en la época en la que el acceso a la lectura es más fácil. Las ediciones impresas se multiplican y los nuevos medios digitales, como el libro electrónico hacen que el poseer miles y miles de libros en el propio hogar haya dejado de ser una utopía. Sin embargo, por mucho que se diga, la lectura sigue sin ser una afición popular entre la mayoría de la gente y muchos de los que se pasan por la librería lo hacen para adquirir alguna novela de evasión cuya lectura no resulte demasiado complicada. Y es que el abrumador número de posibilidades de diversión anula la posibilidad de que una persona dedique algunas horas silenciosas a concentrarse en la lectura de un libro y más si este es un ensayo. 

Joaquín Rodríguez nos recuerda en Lectocracia que los regímenes autoritarios no siempre han prohibido toda clase de lectura, sino que han eliminado unos libros para fomentar otros, aquellos que cimentan la ideología imperante en ese momento. Se fomenta una visión del mundo y se purga todo lo que se oponga a la misma, como sucedió en su momento con el Libro rojo de Mao o Mi lucha, de Hitler:

"Lo más paradójico, a pesar de todo, es que quienes proscriben y calcinan aquello que tienen por impío o inmoral son los verdaderos creyentes en la fuerza de las palabras, en el poder de la literatura, en la pujanza de lo escrito. Su energía sancionadora es equivalente a su convicción en la energía transformadora de los textos. Quizás conviniese aprender de ellos esa sola cosa: que la lectura de un texto tiene la capacidad de transmutar nuestras vidas."

El gran problema de nuestro tiempo, al menos en occidente, no tiene que ver con regímenes que prohiben libros, sino con nuevas formas de lectura digital, en pantallas de móviles u ordenadores que tiende a convertirnos en lectores fragmentarios, incapaces de concentrarse más de un minuto en un determinado texto, puesto que las mentes, sobre todo las de los más jóvenes, están dispersas debido a los numerosos estímulos que constantemente surgen a su alrededor. Esto sucede hasta el punto de que no sabemos exactamente cuantos lectores a la manera tradicional quedan, pero sin duda su número está menguando progresivamente. 

El autor propone una utopía, la lectocracia, en la que el Estado debería fomentar la lectura en serio, en todos los ámbitos ciudadanos, incluyendo la creación de un Ministerio de la lectura y el pensamiento. Una lectura libre y crítica por parte de una sociedad de lectores que sean capaces de oponerse con razones al pensamiento imperante:

"La lectocracia, en resumen, como el decidido empeño por promover una actitud de compromiso cívico crítico, capaz de poner en evidencia nuestras interdependencias y alentar nuestra empatía, con la firme ambición de instruir a seres capaces de levar anclas y hacerse a la vela por sí mismos, como una práctica consciente de que, para no resultar ambigua y maleable, capaz de prestarse a cualquier arreglo, debe permanecer siempre vigilante."

DEADPOOL & WOLVERINE (2024), DE SHAWN LEVY.

Esta es una película mucho más compleja de lo que pudiera parecer en un principio. Bajo la fachada de un mero divertimento, se esconde nada menos que la creación de una nueva estructura narrativa para relanzar de nuevo un universo Marvel que en los últimos años anda de capa caída. Y para ello han optado por el camino de la autoparodia con Deadpool como gran maestro de ceremonias, un personaje al que no le importa disparar contra todo lo que se mueve y que camina todo el tiempo por un terreno en el que es consciente de que se encuentra en una película y de vez en cuando su voz se dirige directamente a los fans, incluso mirando a la cámara. Al final Deadpool & Wolverine es un gran homenaje al universo que muchos hemos seguido desde pequeños. A algunos esta propuesta les puede parecer insultante, pero es tan divertido lo que aparece en pantalla que todos los insultos e incoherencias quedan perdonadas. En la película las sorpresas se suceden y se recuperan numerosos personajes de la franquicia de Fox que se encontraban literalmente en tierra de nadie. Lo que no queda claro es a dónde nos lleva todo esto, puesto que las posibilidades de futuro son infinitas y aquí al final al espectador se le dejan más preguntas que respuestas, aunque eso sí, acompañadas por un buen sabor de boca.

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domingo, 29 de septiembre de 2024

SANGRE EN LOS LABIOS (2024), DE ROSE GLASS.

La película nos traslada a un escenario de la América profunda. La protagonista regenta un gimnasio de carretera, que tiene que limpiar todas las noches y su padre, con el que no se habla, es un loco de las armas de pasado turbio que es dueño de un campo de tiro muy popular en la zona. A través de la llegada de otro personaje, de la que la protagonista se enamora, Sangre en los labios relata una turbia historia de cine negro, muy bestia y sucia, puesto que el metraje rezuma con abundancia dos tipos de fluidos: sudor y sangre (y también vísceras). Como es común en este género, los personajes toman las peores decisiones posibles, aunque en este caso las chicas fatales se convierten más bien en chicas de armas tomar y sus acciones no se producen como reacción a los acontecimientos, sino que tienen peso por sí mismas. En conjunto Sangre en los labios es una película muy entretenida que no pide una excesiva credibilidad al espectador, sino simplemente entrar en la lógica del relato y disfrutar de su desmesurado final.

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sábado, 28 de septiembre de 2024

EL MUNDO DE AYER (2023), DE MATEJ CHLUPACEK.

El descubrimiento del cadáver de un bebé que posee genitales de ambos sexos es el eje dramático de esta película. La protagonista, Helena, que trabaja en la fábrica donde se ha producido el hallazgo quiere conocer la verdad sobre el mismo, por lo que emprende una investigación casi detectivesca. Esta obsesión le va a costar un conflicto con su marido, cuya relación hasta el momento era idílica, pero la película aprovecha para reivindicar el mundo oculto del hermafroditismo en una época, los años treinta, en el que dicha condición era prácticamente desconocida. Mientras tanto, la amenaza nazi se cierne sobre Checoeslovaquia, un país que es retratado como un lugar libre y moderno. El título español evoca la obra de Stefan Zweig: el mundo de ayer, el conocido hasta entonces está a punto de desmoronarse, pero Helena quiere que sus seres cercanos sepan la verdad acerca de la pequeña tragedia que ha sucedido en la fábrica. Una correcta producción que refleja muy bien el espíritu de una época ya lejana.

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EL SABOR DEL SAKE (1962), DE YASUJIRO OZU.

El cine de Ozu se basa en la narración de lo cotidiano, en pequeños conflictos familiares ordinarios que el cineasta examina con toda precisión para que el espectador (en este caso occidental) comprenda los modos de vida de Japón y la idiosincrasia de sus habitantes. El sabor del sake se centra en las obligaciones de una hija respecto a su anciano padre. Ella ha cumplido ya veinticuatro años, pero el progenitor viudo quisiera retenerla para no quedarse solo. Ella no es rebelde, se resigna a su destino, pero en secreto anhela el matrimonio. Mientras tanto, asistimos a reuniones de amigos regadas por abundante sake y comida japonesa. Son curiosas algunas reflexiones que se producen en alguna ocasión acerca del resultado de la Segunda Guerra Mundial. Los interlocutores no están seguros de si la derrota de Japón fue beneficiosa o no para el país, pero todos sienten que al final salieron bien librados de aquello. A pesar de que El sabor del sake muestra la modernidad del Japón del milagro económico, Ozu prefiere acercarse a la tradición y a los pequeños conflictos que de ella emanan.

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sábado, 21 de septiembre de 2024

HORIZON: AN AMERICAN SAGA, CAPÍTULO 1 (2024), DE KEVIN COSTNER.

Horizon es uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos de los últimos tiempos. Se trata del primer capítulo de una saga de cuatro (la película dura tres horas e intuimos que el resto, si se llega a hacer, tendrá la misma duración) que quiere contar de una forma definitiva la configuración de Estados Unidos como país surgido de una historia de épica y violencia, algo que ya se intentó con La conquista del oeste. Ante todo, lo que encontramos en este primer capítulo de Horizon, a falta de que se estrene el segundo, ya rodado, es desmesura. Costner presenta una gran cantidad de tramas que oscilan entre lo épico y lo intimista, pero lo hace de una manera un tanto desordenada y caótica, sin dejar espacio a que sus numerosos personajes se puedan desarrollar de manera natural. La película ofrece escenas excelentes frente a otras más bien aburridas, pero su gran problema, como ya he adelantado, es la estructura de su guion. Esto no es más que una presentación repleta de subtramas que deberán ir resolviéndose en los capítulos posteriores. No tenemos a un protagonista claro, sino una serie de historias que seguramente irán confluyendo en un único punto. A pesar de de sus evidentes carencias derivadas de su falta de contención, la película posee los suficientes puntos de interés como para tener personalmente interés en seguir viendo las demás, aunque solo sea por descubrir cómo se hilan los numerosos cabos sueltos que deja este primer capítulo.

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