SIN PERDÓN (1992), DE CLINT EASTWOOD.

Uno de los grandes prodigios del cine de los años noventa fue esta revitalización y puesta al día de un género que se creía extinto. No es que desde entonces se haya sucedido un torrente de películas del oeste, pero Sin perdón demostró que se podía dar una vuelta de tuerca a uno de los géneros más populares. Aquí no existe el heroísmo, la historia es absolutamente sórdida y por ello absolutamente realista. El protagonista no es un héroe, ni siquiera un antihéroe. Se trata de un antiguo asesino despiadado y cruel que redimió su existencia gracias al amor de una mujer que murió hace pocos años. Vive retirado en una pobre granja con sus hijos, tratando de llevarla adelante entre enfermedades de los animales y grandes cantidades de estiércol. Por eso, cuando se le ofrece la oportunidad de volver, aunque sea brevemente, a su antigua vida, la tentación será demasiado fuerte, puesto que comprende que todo era más fácil en aquellos días, pues solo se trataba de apretar el gatillo y emborracharse. En cierto modo, a William Munny se le convoca para hacer justicia, como un demonio vengador que tiene que ajustar la cuentas a quienes han marcado horriblemente el rostro de una prostituta. Todo es deshumanizador en el oeste que refleja Clint Eastwood. Las prostitutas son mera mercancía cuyo daño el consumidor debe compensar económicamente. La justicia está representada por un sheriff corrupto y violento que decide lo que es la ley con su mera voluntad, por lo que las víctimas deben recurrir a peligrosos forajidos para encontrar su anhelada venganza. Sin perdón está rodada por un Clint Eastwood en estado de gracia que retrata magistralmente a unos personajes que experimentan reacciones muy humanas frente al mundo violento en el que se ven inmersos. Una película que puede contemplarse una y otra vez sin que pierda un ápice de su fuerza y autenticidad.

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JURADO Nº2 (2024), DE CLINT EASTWOOD.

Nada más comenzar la que podría ser la última obra del gran Clint Eastwood, se nos presenta un dilema moral. El protagonista, ex-alcohólico, está viviendo un momento dorado de su vida, una vez que ha dejado sus demonios atrás: está a punto de ser padre en el contexto de una relación muy feliz. Cuando es elegido jurado de un caso de asesinato se da cuenta - al espectador se le informa enseguida de dicha circunstancia - de que él podría ser el responsable de la muerte que se está juzgando. Estuvo en el mismo paraje dónde ocurrieron los hechos y el presunto atropello de un ciervo en una noche oscura y lluviosa podría haber sido el de una persona. ¿Cómo actuar en un caso así? ¿Qué es lo correcto? A lo largo de casi dos horas el espectador se pone en la piel de Justin Kemp para hacerse estas mismas preguntas. Porque lo que le sucede al protagonista podría sucederle a cualquiera si se produce el cúmulo de circunstancias fatales que aquí ocurre. A destacar la verosimilitud de todo el procedimiento judicial que filma Eastwood, que las grandezas y miserias del sistema judicial estadounidense, un sistema que busca la verdad, pero también los intereses personales de los profesionales implicados en el mismo.

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MILLION DOLAR BABY (2004), DE CLINT EASTWOOD.

Con un estilo clásico marca de la casa, Eastwood entrega lo que parece en principio una historia de boxeo emparentada con Rocky, sobre una muchacha que sale de la nada y triunfa en el cuadrilátero. Pero, transcurrida más de la mitad de la cinta, Million Dolar Baby tiene reservado un giro inesperado, que convierte a la película en otra cosa, en una dura historia de redención y de decisiones imposibles. Porque, por motivos que desconocemos, el protagonista ha consumado una ruptura dolorosa con su propia hija, con la que trata de contactar, mientras establece una relación paterno-filial con su nueva pupila, una Maggie que, saliendo de la más extrema pobreza, demuestra poseer una sed infinita de triunfo que se verá truncada por el más desafortunado accidente. A partir de ahí, la religión, que ha ido asomando su influencia en el protagonista, se transformará en un factor capital a la hora de tomar la decisión de eliminar una vida que no quiere permanecer sufriendo en este mundo. Una historia oscura y magistral que nos habla de la condición humana y que bajo su aparente sencillez oculta muchas capas morales que el espectador debe ir desentrañando. 

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CRY MACHO (2021), DE CLINT EASTWOOD.

Impresiona ver como este hombre de más de noventa años, uno de los hombres de cine más míticos que todavía quedan en el oficio, tenga la fuerza para dirigir e interpretar una película tan interesante. Cry macho no es ninguna obra maestra, ni pretende serlo, sin embargo sirve como autohomenaje de un actor que ha interpretado numerosos personajes memorables. Aunque parece que los derroteros de la película van a ir por el lado dramático finalmente nos encontramos con una narración un tanto amable e incluso picaresca que se centra en la magnífica relación que se establece entre un hombre en el ocaso de su vida y un adolescente con toda la vida por delante. Bien es cierto que en ciertos momentos el guion se ve lastrado por una serie de situaciones un tanto inverosímiles, pero todo se perdona por la nostalgia con la que uno se deja atrapar por esta obra pequeña obra a contracorriente de lo que se suele realizar en el cine actual.

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MULA (2018), DE CLINT EASTWOOD. BREAKING GOOD.

Earl Stone debería estar jubilado. Un veterano de la Guerra de Corea, que ha trabajado duro toda su vida, tendría derecho al descanso cuando está por cumplir los noventa años. Pero la penosa realidad de la crisis económica que nos acechó hace pocos años acaba con los negocios de este emprendor, que siempre ha antepuesto su trabajo a la familia y le deja en la estacada. La mejor solución que encuentra es la de hacer de mula (transportar droga en su coche en una ruta que atraviesa medio Estados Unidos) para un cartel mexicano. Su edad y su presencia tranquila y amable es la mejor garantía de que nadie va a sospechar de él y que sus entregas van a llegar a su destino sin novedad. Aunque contentos con su trabajo, los narcotraficantes se molestan por la filosofía de trabajo de Stone: a pesar de su edad, es un hombre al que todavía le gusta disfrutar de la vida y no duda en saltarse su plan de ruta para disfrutar, por ejemplo, de un buen almuerzo.

Desde luego, desde que trabaja para el cartel, la vida le va mejor a Stone: el dinero hace milagros y es el ingrediente perfecto para lograr la reconciliación con su familia, sobre todo con su hija, con quien hace años que no se habla. La ponderación entre el mal que ayuda a expandir transportando droga y el bien que consigue ayudando a su familia y a las personas que cree que se lo merecen, parece positiva (un poderoso debate moral al que ya se enfrentó Walter White en Breaking bad). Tampoco es el que el protagonista sufra mucho por haberse transformado en un delincuente. Es posible que lo sienta como su pequeña venganza contra una sociedad que le ha dado la espalda a un anciano en dificultades, la venganza de su generación, la de los hombres hechos a sí mismos contra los jóvenes blandengues de hoy día.

En este sentido, la escena en la que Stone ayuda a cambiar una rueda pinchada a un muchacho que intenta solucionar su problema a través de un tutorial de internet (descubriendo aterrado que en el lugar no hay cobertura), es toda una declaración de principios por parte de un Eastwood crepuscular, pero que todavía es capaz de hacer un cine, si no magistral, sí mucho más interesante que muchas de las películas que reciben premios en la actualidad. Eastwood toma la palabra por la gente mayor que todavía tiene mucho que enseñarnos acerca de la manera correcta de hacer las cosas.

SULLY (2016), DE CLINT EASTWOOD. EL FACTOR HUMANO.

Los estadounidenses están más que nunca necesitados de héroes, ahora que les está empezando a costar mantener su papel preponderante en un mundo cada vez más pequeño y que su presidente parece una caricatura salida de la más retorcida de las mentes. Pero llevan tiempo necesitándolo, porque lo que sucedió en Nueva York el 11 de septiembre de 2001 no supuso solo una masacre retransmitida en directo, sino una enorme conmoción y la certeza de que la seguridad absoluta no existe en este turbulento mundo del siglo XXI. Por mucho que Donald Trump intente enseñar músculo incrementando sus presupuestos militares, hoy más que nunca un pequeño grupo de hombres decididos pueden causar daños enormes. Casi podría decirse que las guerras ya no las libran los ejércitos, sino los equipos de inteligencia y que las decisiones individuales, muchas veces fruto de la intuición más que de otra cosa, han pasado a ser lo más importante. En este contexto, lo que sucedió el 15 de enero de 2009, el milagro del Hudson, puede valorarse casi como la contrapartida del ataque a las Torres gemelas. En esta ocasión, y para alivio de propios y extraños, todo lo que podía salir bien, salió y el capitán Sully consiguió, contra todo pronóstico, salvar de manera impecable una situación desesperada.

Todavía conmocionado por lo que acababa de vivir, el protagonista fue tratado en las primeras horas como un auténtico héroe, para verse casi de inmediato cuestionado por los especialistas, que insistían en que el piloto podría haber aterrizado sin problemas en el aeropuerto de La Guardia. Si bien Sully abunda en algunos aspectos técnicos relativos a navegación aérea, lo que verdaderamente le interesa a Clint Eastwood es mostrar la soledad del protagonista al atravesar el momento más crítico de su existencia, aquel en el que una impecable carrera profesional de cuatro décadas pende de un hilo por su actuación en este incidente. Sully se siente abrumado por su repentina fama y ni siquiera encuentra apoyo en su mujer, a la que le preocupan ante todo los aspectos financieros que pudieran derivarse del asunto y tarda en darse cuenta de que lo verdaderamente importante resulta ser el hecho milagroso de que su marido siga vivo. 

Eastwood ha entregado en esta ocasión un filme muy sobrio, que es más realista que espectacular en las escenas del accidente aéreo. Lo más interesante es que contiene una reflexión acerca de aquellos profesionales que pronto empezarán a quedarse anticuados y serán reemplazados por máquinas. Precisamente el principal escollo que encuentra el testimonio del piloto es una simulación realizada por ordenador... que no tiene en cuenta el factor humano y emocional del incidente. Es posible que las máquinas terminen realizando muchos trabajos insospechados de forma más precisa y eficaz que el ser humano, pero jamás podrán sustituir nuestra capacidad de improvisación ante lo inesperado, eso tan inexplicable que llamamos intuición.

EL FRANCOTIRADOR (2014), DE CLINT EASTWOOD. EL AMERICANO IMPASIBLE.

A veces me pregunto cómo es posible que la humanidad todavía no haya aprendido, que todavía se recurra a un método tan salvaje como la guerra para solventar los inevitables conflictos de intereses entre países, grupos o etnias. Aunque a veces la apuesta sale muy bien para una de las dos partes, es usual que las cosas no transcurran según los planes previstos por parte del agresor y que lo que se esperaba resolver en pocas semanas se eternice y se convierta en una pesadilla irresoluble. Le sucedió a Napoleón en España, a los alemanes en Francia en la Primera Guerra Mundial, en Rusia en la Segunda y a los americanos en Vietnam. En todo caso, el Clint Eastwood cree tener la respuesta en una entrevista que ofrece la revista Dirigido de febrero de este año:

"(...) creo que la guerra está en nuestro ADN. Una de las cosas que Estados Unidos ha estado haciendo en todos estos años es tratar de introducir la democracia en muchos países del mundo, y la realidad es que no la quieren. Por eso es una buena pregunta cómo se termina y si se termina. Los filósofos siempre han dicho que el fin de la guerra llegará cuando la humanidad recupere la razón, pero eso puede no ocurrir nunca. Pero es un tema sobre el que no vale la pena debatir demasiado, porque la realidad es que la guerra existe, es parte de la vida."

La Guerra de Irak (o cabría decir, la segunda Guerra de Irak en este caso) surgió de unas circunstancias tan especiales como inesperadas. Los ataques del 11 de septiembre, sangrientos y dolorosos, desataron una fiebre de venganza en toda la nación norteamericana, que el presidente George Bush no hizo sino alentar desde su estrado. Por eso no le fue difícil convencer a sus compatriotas (con el resto del mundo no lo consiguió), de que el gobierno iraquí estaba detrás de los atentados. Obviando a la ONU, a las masivas manifestaciones en contra celebradas en cientos de ciudades del mundo y a la más elemental prudencia, Estados Unidos se embarcó en un conflicto que, una década después, ofrece un saldo lamentable: cientos de miles de muertos y de heridos, ciudades arrasadas, una retirada del ejército estadounidense por la puerta de atrás y establecimiento, en una buena franja del país, del llamado Estado Islámico, que cada día ofrece material audivisual a los telediarios del mundo entero con la perpetración de una nueva barbaridad. La última, la destrucción de estatuas asirias y sumerias de milenios de antigüedad.

Todo esto nos pone en antecedentes respecto a la historia que se cuenta en El francotirador. Chris Kyle se hizo famoso en Irak por ser el tirador con más muertes confirmadas en su haber en la historia del ejército estadounidense, unas ciento sesenta. Poco antes de su absurda muerte publicó unas memorias en las que ofrecía una visión de sus experiencias en el conflicto. En el film Kyle aparece - supongo que será un retrato fidedigno - como un joven afectado por los atentados de las embajadas africanas y de las torres gemelas, decidido a vengar a su país a cualquier precio. En ningún momento es capaz de plantearse que no es más que un peón para que unos cuantos contratistas militares, amparados por los criminales Bush y Rumsfeld, ganen cantidades obscenas de dinero a costa de la muerte de mucha gente. Su única perspectiva es la de su deber inmediato, la de proteger a sus compañeros, matando a cualquiera que los ponga en peligro: Kyle está convencido de que está realizando un servicio imprescindible para la seguridad de su país, que la gente a la que combate en Irak está deseando desembarcar en su país para atentar contra su gente y parece no darse cuenta, de que no está dejando otra alternativa a toda esa gente a la que se le bombardea sus casas que la de radicalizarse y unirse a alguno de los grupos de resistencia.

Pero lo que a Eastwood le interesa más mostrar son las contradicciones de la vida de Kyle mientras sirvió en Irak: lo rutinario de su trabajo, aburrido casi todo el tiempo, hasta que comenzaba la batalla y, sobre todo, su difícil regreso a la rutina del hogar, junto a una mujer y a unos hijos con los que no había convivido lo suficiente, que para él tenían mucho de extraños, ya que, en el fondo, sus auténticos intereses (y por eso es llamado héroe) estaban en el frente, protegiendo a sus compañeros de un enemigo casi siempre invisible. El conflicto con su famila está cinematográficamente bien resuelto, pero de manera un tanto rutinaria para el espectador, al que los problemas de adaptación del protagonista nunca suscitan auténtico interés. Para él parece más difícil sostener a su hijo en sus brazos mientras intenta mantener una conversación con su mujer que disparar desde una azotea en medio de una batalla.

El punto fuerte de El francotirador está en sus escenas bélicas, en las que apreciamos al mejor Eastwood recuperando su pulso, sabiendo cómo crear tensión en las mismas. Lástima que queden un poco descompensadas respecto al resto del metraje, bien intencionado, pero fundamentalmente vacío de contenido. Quizá sería una buena idea, como ya sucedió con la batalla de Iwo Jima, ofrecer una segunda película rodada desde el punto de vista del francotirador del otro bando, que seguramente a su vez sería un héroe para los suyos. Eso conseguiría una perspectiva mucho más completa de un conflicto tan complejo que, una década después, aún sigue siendo un semillero de lo peor del ser humano.

LOS PUENTES DE MADISON (1992), DE ROBERT JAMES WALLER Y DE CLINT EASTWOOD (1995). BREVE ENCUENTRO.

He aquí uno de esos ejemplos, que proliferan más de lo que comúmente se piensa, de una obra cinematográfica que supera ampliamente al original literario. He leído la novela de Robert James Waller con curiosidad, pero me ha parecido francamente muy por debajo de la obra maestra de Clint Eastwood, que es doblemente meritoria por haberse basado en un material tan convencional. Por una vez en la sesión de cine nos alejamos de asesinatos, guerras, dictadores o tragedias sociales para acercarnos a una tragedia de carácter íntimo: la de dos seres anónimos que han de conformarse con vivir su amor, tan intenso como inesperado, durante solo cuatro días y vivir el resto de su existencia del recuerdo de esas jornadas intensas. Aquí el artículo:

http://asociacioncristobalcuevas.blogspot.com.es/2013/05/los-puentes-de-madison.html

BANDERAS DE NUESTROS PADRES (2006), DE CLINT EASTWOOD. HISTORIA DE UNA FOTO.

Aunque no se puede decir que sea una película redonda, lo cierto es que este trabajo de Eastwood resulta muy interesante cuando reflexiona acerca de la manipulación que el gobierno de Estados Unidos realizó de la famosa foto de Joe Rosenthal. Como es tradición, la fotografía bélica siempre está unida a la polémica. Aquí el enlace:

A principios de 1945 la suerte de la Segunda Guerra Mundial estaba decantada claramente hacia los Aliados. En el frente del Pacífico, la caída de Japón sólo era cuestión de tiempo, pues los americanos llevaban muchos meses liderando una victoriosa (y costosa) campaña que iba desalojando al Ejército del Sol Naciente isla a isla, acercándose cada vez más al Japón. En esta tesitura, la conquista de la isla de Iwo Jima se hizo imprescindible para los americanos, sobre todo desde el punto de vista de su aviación, pues su aeródromo resultaba imprescindible para hacer más efectiva la campaña de bombardeo sobre las islas japonesas.

La isla de Iwo Jima tiene una superficie de unos veinte kilómetros cuadrados y su negra superficie es de origen volcánico, por lo que raramente crecen plantas en la misma. Su principal característica es la presencia de un polvo negruzco, una mezcla de cenizas, azufre y arena. Los japoneses, en previsión del ataque del ejército americano, se dedicaron a fortificar la isla a conciencia. Sus defensores no se hicieron ilusiones: sabían que acabarían sucumbiendo ante el mayor poderío de sus enemigos, pero la conciencia de estar defendiendo ya su propia patria les otorgaba una motivación especial, por lo que casi todos los soldados japoneses aceptaron que no saldrían vivos de la isla. De hecho, en la batalla de Iwo Jima fueron escasas las rendiciones de soldados nipones.

"Banderas de nuestros padres" describe muy bien a través de sus imágenes el momento del desembarco del ejército americano en la isla. Un impresionante despliegue de barcos y aviones se posicionó ante la isla e inició un intenso bombardeo preliminar, que no sirvió de gran cosa frente a la profundidad de las posiciones defensivas, muchas de ellas excavadas en la misma roca. Los primeros soldados que desembarcaron lo hicieron sin oposición. Los japoneses esperaron hábilmente a que avanzaran algunos metros tierra adentro para iniciar un devastador fuego de artillería desde sus ventajosas posiciones. Comenzaba así una de las más duras batallas de toda la guerra.

Resulta inevitable comparar la concepción del desembarco de Clint Eastwood con la de Steven Spielberg en "Salvar al soldado Ryan". Si bien la del primero es mucho más descriptiva, pues narra todo el proceso desde que los soldados bajan desde el barco a la lancha de desembarco, resulta demasiado cinematográfica y espectacular, en contraposición al descenso hacia el punto de vista de los soldados que ofrece Spielberg: el crudo realismo y horror que se atisba en su película es lo que falta en la de Eastwood, aunque a este último cineasta le interesa más profundizar en otro asunto: la manipulación que el gobierno estadounidense puede llegar a hacer de una acción bélica determinada.

El autor de "Invictus" cuenta en esta ocasión la historia de tres combatientes de esta histórica batalla, recreando cruentos episodios de la misma junto a a su periplo por los Estados Unidos recaudando dinero para los bonos que los Estados Unidos emitían para financiar el esfuerzo bélico, pues los tres fueron inmortalizados en la célebre foto de Joe Rosenthal en la cumbre del monte Suribachi, la mayor elevación de Iwo Jima, en la que los marines plantan en tierra una gran bandera americana.

La historia de esta foto, quizá la más reproducida de la Segunda Guerra Mundial, es muy peculiar. Los marines llegaron a la cumbre del monte Suribachi al cuarto día de la batalla. Allí plantaron una pequeña bandera que fue vista por sus compañeros desde todos los puntos de la isla y desde el interior de las embarcaciones que la rodeaban. Fue casi un momento mágico, pues muchos hicieron un alto para vitorearla, mientras los barcos hacían ulular sus sirenas. Fue precisamente el teniente coronel Johnson, el mismo que había tenido la idea de colocar la bandera, el que dio orden de retirarla, para preservar lo que consideraba un objeto que se iba a convertir en una leyenda para el Cuerpo de Marines y sustituirla por otra más grande.

La orden fue cumplida unas horas después. El fotógrafo Rosenthal llegó a tiempo para inmortalizar la colocación de la nueva bandera y plasmó el momento en una instantánea de gran fuerza gráfica, una composición casi hipnótica, perfecta en la captación del esfuerzo de los marines y de un gran simbolismo patriótico. La fotografía llegó a tiempo a los Estados Unidos para ser publicada en los periódicos del domingo, por lo que su difusión y popularidad fue inmediata. Los protagonistas de la misma fueron llamados de vuelta a su país. El gobierno había hallado lo que llevaba meses buscando: una imagen que galvanizara los esfuerzos de la población estadounidense, ya cansada de la larga confrontación, hacia la compra de los imprescindibles bonos de guerra.

En aquel momento, nadie se preocupó por conocer la verdadera historia de la foto. De hecho, contra lo que comúnmente se cree, el momento que refleja la instantánea no supone el fin de la batalla. Ni siquiera significó la conquista del monte Suribachi pues, como los marines comprobaron amargamente instantes después, los japoneses tardarían todavía algunas semanas en abandonar sus posiciones, algunas de ellas prácticamente inexpugnables, tanto que los americanos optaron al final por usar el lanzallamas contra cualquier acceso a grutas que encontraran en su camino, procediendo posteriormente a tapiarlos.

Los meses siguientes, tal y como se muestra en la película, fueron muy difíciles para los tres soldados devueltos a la vida civil. El gobierno les encomendó una gira por los Estados Unidos, publicitándolos como los "héroes de Iwo Jima". Los soldados tenían sentimientos contradictorios al respecto. Por una parte, eran conscientes de que al ser retirados de la batalla, habían salvado la vida, pero por otro lado no podían olvidar a los compañeros que habían dejado en la pelea, tanto a los vivos como a los muertos y se daban cuenta de la profunda manipulación a la que eran sometidos, tratados casi como fenómenos de feria en el afán de recaudar dinero para continuar la guerra.

Cada soldado asumió su condición de héroe como pudo, pero uno de ellos, nativo americano para más señas, sucumbió a la presión, no pudo soportar el recuerdo de sus compañeros muertos y acabó recorriendo las cunetas de las carreteras convertido en un borracho. Quien ha vivido un combate real, sabe que los héroes no existen y que los protagonistas se dividen entre asesinos y quienes luchan por salvar sus propias vidas. Como hizo notar Joanna Bourke en su notable "Sed de sangre", es extremadamente dificultoso recuperar a los soldados que han vivido toda clase de horrores para la vida civil.

EN LA CUERDA FLOJA (1984), DE RICHARD TUGGLE. APROXIMACIÓN AL LADO OSCURO.

En la época en la que había conseguido sus mayores triunfos con el personaje de Harry el sucio, Clint Eastwood decidió interpretar a este personajes, uno de los más complejos y ambiguos de su carrera. Como Harry el sucio, Block es un policía entregado por entero a su trabajo y de secos modales. A diferencia de Harry, es padre de familia, aunque su mujer le abandonó, es capaz de establecer una buena relación con sus hijas (aunque su alma herida trata de apaciguar su tormento a veces a base de alcohol) y su pistola es bastante más discreta que una magnum.

Block tiene un vicio secreto, que deriva en una doble vida favorecida por su actividad policial: le encanta acostarse con prostitutas y atarlas a la cama con sus esposas. Un vicio venial, en realidad, si no fuera porque un asesino va tras sus pasos asesinando a las prostitutas que va contratando.

Con estas premisas, el desconocido Richard Tuggle, seguramente con considerable ayuda del sólido director de cine que es Clint Eastwood, construyó un apreciable thriller que consigue sus mejores momentos en el acercamiento al mundo de la noche por parte de ese policía de personalidad un tanto retorcida. Tanto, que trata de explicarse los movimientos y motivaciones del asesino comparándolos con las suyas propias, quizá comparándolos con sus propias debilidades. La interpretación de Eastwood es memorable: sabe transmitir ambiguedad en cada gesto y cuando se enfrenta directamente al asesino, el grado de salvajismo por ambas partes es similar.

Película imprescindible para los seguidores de Clint Eastwood y recomendable para cinéfilos en general, "En la cuerda floja" bebe de los clásicos del cine negro, aunque de temática bastante más adulta. También hay que comentar que algunas escenas son inevitables deudoras del efectismo y estética de videoclip del cine de los ochenta.

INVICTUS (2009), DE CLINT EASTWOOD. EL RUGBY COMO POLÍTICA.

Cuando se visiona una película inmediatamente después de haber leído el libro en el que se basa, los sentimientos pueden ser contradictorios. Por una parte, partimos con ventaja respecto a otros espectadores, pues sabemos más o menos lo que vamos a ver y podemos completar posibles lagunas del guión y comprender mejor que nadie las motivaciones de los personajes, ya que hemos profundizado previamente acerca de ellos.

Por otro lado, y en un alto porcentaje de las ocasiones, no solemos ver en pantalla lo que esperábamos ver, es decir, nuestra particular interpretación de la letra escrita. Esto es evidente y particularmente, como aficionado a leer cuando puedo los libros en los que se basan las películas que voy a ver, trato de no decepcionarme, pues es imposible que dos personas coincidan plenamente en este punto. Quienes asisten regularmente a clubes de lectura me darán la razón cuando, a veces, los demás participantes parecen haber leído un libro absolutamente diferente al nuestro.

Digo esto porque, después de haber leído un libro-reportaje magnífico como "El factor humano", de John Carlin, esperaba otro tipo de aprovechamiento de tan buen material. Pero Clint Eastwood (un poco improvisadamente a mi humilde parecer) ha rodado una visión simplicadora del trabajo de Carlin.

La película es, ante todo, un vehículo para el lucimiento de Morgan Freeman, interpretando un papel para el que parece haberse estado preparando toda la vida. Ningún otro hubiera podido interpretar con esa convinción a un santo laico como Nelson Mandela, y no solo por su parecido casi clónico con el dirigente sudafricano, sino por la admiración que le profesa, aunque mi sentimiento en ocasiones era el de estar viendo en pantalla, no a Nelson Mandela, sino a Morgan Freeman interpretando a Nelson Mandela, algo un poco difícil de explicar y que seguramente hubiera corregido la versión original.

Y es que pocos dirigentes han sido tan venerados a nivel mundial como Mandela. Salir de prisión tras veintisiete duros años y mostrar cierta comprensión y tolerancia con tus verdugos con el fín de construir una nueva nación no está al alcance de cualquiera. En este sentido puede sorprender al espectador encontrarse ante un personaje tan puro y de sentimientos tan nobles pero, en este caso la película se está ajustando estrictamente a la realidad.

El principal fallo del guión, a mi entender, es presentar unos hechos históricos tan trascendentes desde una perspectiva minimalista y simplificadora, en la que se nos escapan muchos elementos importantes de los mismos. Hubiera sido necesario introducir algunos episodios del pasado de Mandela, narrarnos la desesperación de un hombre que es arrojado vergonzosamente a una diminuta celda mientras el resto del mundo clama por su libertad, lo que nos haría comprender mejor la grandeza del comportamiento del protagonista. La escena de la visita del equipo de rugby a la isla donde estuvo tantos años cautivo no es suficiente en este sentido. La visión por parte de Pienaar de un fantasmal Mandela picando piedra carece de la fuerza necesaria. Por cierto, la interpretación de Damon es plana y sin apenas matices. El capitán de la selección parece un desconcertado Bourne que pasaba por allí.

Dicho todo esto, hay que reconocer que también el film no está exento de aciertos: la escena primera que resume la división creada por el apartheid o las secuencias de rugby, bien rodadas y comprensibles incluso para los legos de este deporte, aunque hay que decir que resulta mucho más impresionante la danza maorí de los rivales de los Springboks visionándola en you tube que en su versión cinematográfica, lo cual nos dice mucho del peligro de rodar acerca de hechos perfectamente documentados previamente por las cámaras televisivas. A veces parece más una reiteración que otra cosa.

El acercamiento progresivo entre negros y blancos intenta resumirse en el microcosmos que forma la escolta de Mandela. No es mala idea, aunque un tanto elemental. Hubiera hecho falta mostrar un poco de la verdadera cara del apartheid, un régimen que trataba como al ganado a la mayoría de la población sudafricana, lo que haría más comprensibles los aspavientos iniciales de los colaboradores de Mandela ante las intenciones de éste, absolutamente delirantes a primera vista, aunque absolutamente acertadas en suma si se quería salvar al país de una tremenda guerra civil.

En resumen, una película interesante, aunque carente de pulso en ocasiones, pensada sobre todo para Morgan Freeman, que desaprovecha el estupendo material en el que se basa, por simplificarlo en exceso y que ciertamente es mejor ver en su versión original. Quizá mi decepción haya venido porque tenía muchas expectativas puestas en esta película, que no ha sabido hacer buena mezcla de sus magníficos ingredientes.