¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF? (1962), DE EDWARD ALBEE Y DE MIKE NICHOLS (1966). LA INTIMIDAD DE NUESTRO INFIERNO.

Nos encontramos ante una obra mítica, tanto en su versión teatral como en la cinematográfica. Edward Albee escandalizó en su momento al público con este retrato de un matrimonio maduro cuya relación solo puede calificarse como autodestructiva. Una pareja en guerra permanente que se odian y a la vez se necesitan. Conocemos a George y Martha cuando acaban de volver a casa de madrugada después de asistir a una fiesta en la Universidad donde él es profesor. Ya han bebido mucho, pero siguen haciéndolo cuando traspasan el umbral, sobre todo cuando ella le dice a él que tienen invitados: una joven pareja formada por un nuevo profesor y su esposa, una joven que se describe desde el principio como no muy agraciada.

A partir de ahí la pareja protagonista van a actuar como unos anfitriones un tanto peculiares, porque van a dedicarse a exhibir sus radicales desavenencias ante sus invitados, intentando a su vez éstos exhiban el lado más sombrío de su relación. Es como una invitación a vivir por una noche en el pequeño infierno que han creado, cuyo calor a la vez les quema y les da la vida. Martha es una mujer cuyo lenguaje va más allá de la definición de no tener pelos en la lengua. Cada frase que pronuncia es como un punzón afilado dirigido al corazón de su marido, un hombre desgraciado que ha aprendido a defenderse con todo tipo de respuestas sarcásticas y malintencionadas. Contemplar este espectáculo es tan fascinante como desalentador, ya que se trata de una pareja que se ha dedicado a aprender a convivir en una realidad paralela que solo ellos comprenden y en la que se dedican a herirse mutuamente. 

La herida que más supura es la de George, el profesor prometedor que finalmente no llegó a ascender en la escala universitaria debido a su falta de carácter, el hombre que no supo estar a la altura de lo que se pedía de él y que fue despreciado pronto por el padre de ella (el rector de la universidad), desprecio que ella alimentó de manera íntima a partir de entonces. Lo más alucinante en esta obra es que resulta indudable que, a pesar de todo, existe un enorme amor en la pareja. Así lo manifiesta Martha en este sincero monólogo:

"En toda mi vida, solo un hombre... me ha hecho feliz (...) George, mi marido (...) George que anda por ahí, en la oscuridad... George que es bueno conmigo, y a quien trato a patadas; que me comprende y a quien rechazo; que sabe hacerme reir pero me contengo; que me abraza, por la noche, para darme calor, y a quien muerdo hasta hacer sangrar; el que siempre aprende nuestros juegos tan deprisa como yo cambio las reglas; George, que quiere hacerme feliz y yo no quiero ser feliz, y también sí, quiero ser feliz."

La versión cinematográfica de Mike Nichols - a la vez su debut como director y la cumbre de su carrera - recrea a la perfección el ambiente malsano de la obra que se desarrolla en la casa de George y Martha, un espacio oscuro y sucio, repleto de botellas y vasos gastados que están por todas partes, aunque siga manteniendo cierto aire de hogar burgués. La película se aprovecha de la presencia de los dos únicos actores que podían interpretar a esta pareja en el medio cinematográfico: unos Elizabeth Taylor y Richard Burton que en la vida real formaban una de las parejas más tormentosas de la historia de Hollywood, por lo que no sabemos exactamente qué hay de real y qué de fingido en su sublime interpretación. Para el espectador, que se convierte en un testigo casi al mismo nivel que la pareja invitada, supone toda una experiencia contemplar como se va desnudando la intimidad de los personajes de una manera tan violenta como obscena.

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LA CHICA DEL CORO (2025), DE URSKA DJUKIC.

Lucia es una adolescente que se ha unido a un coro católico. El coro viaja unos días a un convento para realizar ensayos con una Lucia que se encuentra en pleno despertar sexual. Djukic mezcla diversos elementos - el despertar sexual ya nombrado, la presencia de obreros en el convento, la religión y la ambigua relación con su nueva amiga Ana María - para realizar un retrato complejo de una edad muy difícil, consiguiendo algo tan complicado como filmar sentimientos sutiles. Porque la protagonista se mueve en esos días en los que no se encuentra bajo la presencia a la vez protectora y opresora de su madre entre la culpa y la tentación. La prédica religiosa le dice una cosa y a la vez su cuerpo le está enviado señales contradictorias que no sabe gestionar y todo se hace más confuso ante la actitud de otras chicas que le llevan ventaja en ese terreno. Quizá su vía de escape son los momentos en los que forma parte del coro, cuando se fusiona con las demás y todo se vuelve armónico por unos momentos, aunque finalmente también esta parte comenzará a fallarle. La chica del coro sabe cómo retratar en cada momento lo que sienten las muchachas a través de gestos, rostros y respiraciones para que el espectador comprenda en todo momento las pequeñas represiones cotidianas que nos afectan desde las edades más tempranas.

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YO NO MORIRÉ DE AMOR (2026), DE MARTA MATUTE.

Hace bastantes años vi un documental que se llama La teoría sueca del amor. En él se criticaba, entre otras muchas cosas, que en Suecia el Estado se hiciera cargo de la atención de las personas mayores cuando éstas se volvían dependientes. Venía a decir que todo sería más humano si fueran las familias las que se ocuparan de esta labor, algo casi imposible en un país de ciudadanos egoístas e individualistas, por lo que en naciones mucho más pobres, en la que no existía esta capacidad asistencial por parte del Estado, la gente era mucho más feliz. Yo no moriré de amor viene a negar esta falacia, pues transcurre en una nación como España en la que existe una Ley de dependencia - reformada hace pocos días - que en la práctica es papel mojado y no cuenta, ni de lejos, con dotación económica suficiente para las necesidades de un país cada vez más envejecido. La familia protagonista de la película de Matute se enfrenta a la tesitura de enfrentarse al diagnóstico de enfermedad de alzheimer de la madre. Y deben hacerlo solos, sin ningún tipo de ayuda más que las visitas al médico para que se le receten unas pastillas que apenas pueden contener el río de olvido que acecha la mente de una mujer todavía joven. Yo no moriré de amor muestra con realismo y con la necesaria crudeza la crueldad de esta situación, tanto para la enferma como para quienes se ven obligados a alterar de forma drástica su existencia cotidiana para atenderla. Durante algunos años la cotidianidad de esta familia va a estar marcada por la frustración y el conflicto permanente, mientras deben esperar una ayuda a domicilio que nunca llega, por encontrarse el servicio saturado. Lo que estremece de esta película es que muchos espectadores van a verse reflejados en estas situaciones, que no son propias de un país que presume de ser de los más avanzados del mundo en materia sanitaria. La dependencia es uno de esos grandes elefantes en la habitación que España tendrá que abordar en los próximos años, y Matute denuncia esta realidad de una manera muy meritoria, mostrando el día a día de una familia con la que todos podemos sentirnos identificados.

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EL DRAMA (2026), DE KRISTOFFER BORGLI.

Contemplando el cartel de esta película y a sus protagonistas, podría pensarse que nos encontramos ante una comedia romántica al uso. Nada más lejos de la realidad. Borgli, que ya entregó la muy interesante Dream Scenario, nos ofrece una historia de amor que poco a poco se va convirtiendo en otra cosa. El punto de inflexión es una revelación del pasado de ella que desata mil dudas en la mente de él. Sucede, para que todo sea más dramático, cuando ya está organizada la boda, y la semilla de la duda va creciendo de forma dramática, aunque con muchos puntos de tragicomedia. Es difícil hablar de El drama sin desvelar puntos muy importantes de la trama que no deben ser conocidos por quien no ha visto todavía, pero sí que se puede decir que la película se sostiene muy bien gracias al buen trabajo de sus dos interprétes (contra lo que se suele decir, Zendaya puede ser buena actriz si tiene un buen director detrás), sobre todo de una Pattinson que es capaz de transmitir diversos estados de ánimos que su personaje debe esforzarse en disimular. Y es que el fondo El drama habla de temas muy de nuestro tiempo. De reputación social o de la imagen que ofrecemos a los demás frente a una realidad íntima mucho más oscura. En este sentido, a partir de la revelación, la trama se vuelve turbia, ambigua y, en algunos momentos, casi de película de terror. Que se juegue con elementos tan ambivalentes y se salga airoso - con un final abierto a todo tipo de interpretaciones - es muestra del talento de un director que seguramente nos dará más alegrías en el futuro.

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CARA DE ÁNGEL (1952), DE OTTO PREMINGER

Frank Jessup, ex combatiente y conductor de ambulancias ambiciona ahorrar para abrir un taller de vehìculos de carreras. Una noche acude a una urgencia en una mansión y conoce a Diane, una joven por la que se siente atraído desde el principio. Diane tiene un carácter ambiguo, es una mujer muy dulce y delicada en la superficie, pero en el fondo es un ser maquiavélico y manipulador. Frank, como hombre cínico y experimentado, lo intuye y aún así se deja llevar por el juego de esta peligrosa mujer. Cara de ángel es uno de los grandes clásicos del cine negro que juega con los tópicos del género. La mujer fatal no es en este caso una chica llamativa, sino alguien que se muestra a sí misma como vulnerable y necesitada de cariño, lo que la hace irresistible para el personaje que interpreta magistralmente Robert Mitchum. Así pues, Cara de ángel es una película que cuida especialmente el retrato de la psicología de sus personajes, destacando también el de la primera novia de Jessup, una mujer que representa la esperanza de una vida normal para éste y que es capaz de contemplar a la autèntica Diane de un solo vistazo, como si la rica heredera fuera alguien transparente ante ella. Sabe que es alguien atormentado por la soledad, pero incapaz de amar de una manera convencional. El final de la película es inolvidable, de esos que quedan para siempre en la retina del espectador, pero conocerlo no excluye la necesidad de nuevos visionados de esta obra cumbre del cine negro que el genio de Preminger supo dotar de un aura especial.

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LOS PERDONADOS (2021), DE JOHN MICHAEL McDONAGH.

David y Jo componen un matrimonio ya maduro que viajan en coche al Marruecos profundo invitados a la fiesta de unos amigos. Su relación con el mundo (y entre ellos) se conduce a través del desdén y la ironía. Al principio de la película son seres superiores introduciéndose en un territorio salvaje a la búsqueda del trocito de civilización que representa el palacio de la pareja gay que los han invitado. David intenta superar su vacío vital bebiendo abundantes dosis de alcohol, lo que puede ser un factor decisivo en el accidente nocturno que sufren, en el que atropellan y matan a un menor. A partir de aquí, y una vez llegados a la fortaleza de sus amigos, Los perdonados transmite con bastante acierto el contraste entre dos mundos: uno lujoso, libidinoso y decadente y el otro pobre de solemnidad aferrado a las costumbres religiosas. Destaca la evolución, muy bien retratada, del personaje que interpreta Ralph Fiennes, que se va interesando paulatinamente por esas formas de vida consideradas por él inferiores, aunque sin abandonar jamás el deseo de salir corriendo y volver a la seguridad de su vida tan opulenta como insustancial. Mientras tanto asistimos al inmenso egoísmo de Jo, un ser que solo busca el placer inmediato sin preocuparse lo más mínimo por lo que le pueda estar sucediendo al que presuntamente es su ser más cercano. La película de McDonagh es arriesgada, ya que juega casi en todo momento con la incomodidad del espectador, que no puede reflejarse en las acciones inmorales de cada uno de los personajes, incluídos los más oprimidos. Ayuda a ese desasosiego el retrato del brutal contraste entre la vida de los extranjeros que habitan en aquella región remota casi como señores feudales y la miseria absoluta y sin esperanzas de unos marroquíes que solo pueden esperar algo positivo de la vida si logran introducirse en occidente.

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RESURRECTION (2025), DE BI GAN.

Nos encontramos en un mundo distópico en el que el ser humano ha perdido la capacidad de soñar. Solo existe un llamado delirante que sigue inmerso en el mundo de los sueños y es perturbado por una mujer que tiene la capacidad de introducirse en los mismos. El espectador conoce esta premisa porque se la describen en rótulos al principio de la película, pero esto no tiene demasiada importancia, ya que Resurrection es una mastodóntica producción de casi tres horas dedicada casi en exclusiva a que el director se recree en sus preciosistas imágenes, las cuales evocan leventemente diferentes momentos de la historia del cine. El mismo Bi Gan ha declarado que su película el espectador no tiene por qué encontrar un hilo argumental, lo cual hace que enfrentarse a ella sea un ejercicio muy duro para que los que entienden que el buen cine tiene que ser un entretenimiento de calidad y no meramente una exhibición de las excelentes capacidades técnicas de un realizador. En resumen, Resurrection es una producción que puede fascinar en sus primeros instantes pero que va pesando como una losa para el espectador mientras transcurren sus lentos minutos y en pantalla no sucede nada medianamente comprensible.

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