EL EXTRANJERO (2025), DE FRANÇOIS OZON.

Lo primero que hay que decir de esta película de François Ozon es que se trata de un trabajo muy valiente. Adaptar en estos tiempos a la pantalla grande un texto como el de Albert Camus, una historia en la que prima mucho más la psicología que la acción, es una hazaña en estos tiempos, sobre todo si se quiere que el resultado sea rentable en taquilla. Porque El extranjero es ante todo la historia de un hombre aparentemente integrado en la sociedad, pero que vive íntimamente al margen de ella, por lo que no le da demasiada importancia al hecho de haber cometido un crimen. Meursault es un trabajador eficiente, pero sin ambiciones, un buen amante pero sin cariño y además un hijo que no siente emoción alguna ante la muerte de su madre. Filmar todo esto en un exquisito blanco y negro que capta estupendamente la esencia del Argel colonial es toda una hazaña, ya que el espíritu de Camus se encuentra presente en la película. Benjamin Voisin compone a un perfecto Meursault, un hombre atractivo por dentro, pero vacío por fuera, un tipo que vive en una rutina sin más ambición que llegar al día siguiente. Si bien es difícil conectar como espectador con el protagonista, eso mismo es lo que se proponen libro y película: Meursault pertenece al género humano, se integra en la sociedad, pero no es sociable. No le interesan los demás si no es cómo vehículo para proseguir su existencia anodina con el único objetivo de calmar las necesidades básicas para la supervivencia. Por eso su relación fría con Marie no es una pose, sino su ausencia de personalidad como elemento seductor ante su amante. Quizá al personaje solo se le despierten sus anhelos vitales cuando está encerrado en una celda esperando que se ejecute su sentencia en la guillotina, después de no haberse esforzado los más mínimo para defenderse en el juicio. Pero no anhelará vivir para reencontrarse con sus seres queridos y ser mejor persona, sino volver a su rutina y seguir con su supervivencia básica. Todo esto está reflejado de forma muy inteligente por un Ozon que ha filmado una película que no es para todos los públicos.

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LA HIJA PEQUEÑA (2025), DE HAFSIA HERZI.

Viendo las imágenes de los últimos días, con las multitudes de ciudadanos y políticos rendidos ante la figura del Papa, se podría decir que estamos asistiendo a un renacimiento religioso, si no fuera porque esto es algo que se ha anunciado muchas veces, pero apenas acaba calando en la vida cotidiana. Sobre todo en cuestión de sexo. Prácticamente nadie - salvo los muy cafeteros - sigue estrictamente la doctrina católica, porque eso supondría que solo está permitido el sexo entre hombre y mujer, sin anticonceptivos y solo en el ámbito del matrimonio. En unas comunidades más cerradas como pueden ser a veces las musulmanas, el hecho de que una adolescente despierte a su sexualidad y descubra que le gustan las mujeres, puede ser bastante más problemático. Y este es el conflicto que aborda La hija pequeña, en el que su protagonista se debate entre la fidelidad a su religión (algo que va indisolublemente vinculado a la fidelidad a su familia) y la tentación de materializar sus instintos sexuales. Lo cierto es que observamos que Fátima disfruta de una existencia cotidiana bastante libre, lo cual le permite bajarse la aplicación Tinder y tener encuentros esporádicos con otras mujeres. Como su familia parece ajena a todo esto, la verdadera batalla se libra en su conciencia y también frente a sus amigos, a los cuales también debe ocultar su doble vida. Con esta premisa se podría haber construido una película muy interesante, pero el resultado final de La hija pequeña resulta bastante insulso, puesto que no se desarrollan los conflictos hasta sus últimas consecuencias y el interés de su directora parece centrarse más bien en la extraña relación que la protagonista entabla con una muchacha coreana. Así pues, la película se deja ver, pero deja el regusto levemente amargo de las posibilidades desaprovechadas.

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NOUVELLE VAGUE (2025), DE RICHARD LINKLATER.

Después de haber visto de nuevo recientemente la emblemática película de Godard, me acerco con mucho interés a este homenaje a uno de los cineastas más prolíficos de la nueva ola, ese movimiento rupturista con las reglas clásicas establecidas por las producciones de Hollywood. En Nouvelle Vague Godard se ve a sí mismo como el genio capaz de cambiar la historia del cine con una sola película. Una película que va a filmar con grandes dosis de improvisación, lo que provoca una indudable tensión con todo su equipo, sobre todo con una Jean Seberg acostumbrada a estar a las órdenes de todo tipo de profesionales. Belmondo se toma todo esto con mucha más filosofía y consigue finalmente una química con la actriz que se va a ver reflejada en el resultado final en pantalla. Linklater rueda todo esto con un gran amor al cine, pero también en un tono casi documental que no hace mucho bien a la cinta, sobre todo por la apabullante presentación de los famosos cineastas y críticos que rodean al protagonista (no paran de salir nombres en todo momento), lo que da idea del clima creativo de la época en la capital francesa. Aunque en algunos aspectos resulta una película demasiado fría, Nouvelle Vague remite a un tiempo en el que los cineastas gozaban del don de la creatividad pura y podían experimentar nuevas formas narrativas en un clima de apoyo mutuo, frente al encorsetamiento creativo actual.

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AL FINAL DE LA ESCAPADA (1960), DE JEAN-LUC GODARD.

La nueva película de Richard Linklater ha vuelto a poner de actualidad a la que es considerada como la impulsora de la nouvelle vague francesa, un movimiento que quería ir más allá del cine clásico rompiendo sus reglas. Lo mejor de Al final de la escapada es que se trata de un experimento que sale bien, tan bien que se ha convertido en una obra mítica y la imagen de Jean Seberg vendiendo periódicos junto a Jean Paul Belmondo en una de las más icónicas de la historia del cine. El espectador debe entrar en el juego para disfrutar plenamente de la obra, debe comprender que se trata de una película con rodaje realizado al natural, improvisando, en el que hay numerosas personas que miran directamente a la cámara y no hay planificación de planos y secuencias. El guión sigue las andanzas de Michel, un criminal de poca monta que regresa a París buscando refugio después de haber cometido un asesinato. Michel cuenta con un buen puñado de mujeres dispuestas a prestarle dinero, pero su interés principal se centra en Patricia, una joven americana de no muchas luces, pero con la que existe una química indudable. Al final de la escapada se debate entre lo cómico y lo trágico. No hay duda de que es puro cine, aunque sea por el retrato naturalista y auténtico que ofrece de las calles de un París muy diferente al de hoy día, el de finales de los cincuenta, un París repleto de vida que es el escenario ideal para rodar esta historia de amor loco protagonizada por unos personajes sin propósito, que solo quieren vivir un poco más sin saber lo que va a pasar mañana. Un rodaje caótico, que podría haber dado como resultado un auténtico desastre, dio lugar a una obra que puede gustar más o menos, pero que ha influido en el cine posterior como pocas lo han conseguido.

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LA MUJER DE AL LADO (1981), DE FRANÇOIS TRUFFAUT.

Título menor en la filmografía de Truffaut, La mujer de al lado cuenta la historia de una tentación y posterior adulterio, puesto que el protagonista tiene que gestionar el hecho de que a la casa de al lado de donde vive se muda una antigua amante junto a su pareja. Ambos no tardarán en reanudar su antigua pasión, en un juego del gato y del ratón en el que deben engañar a sus respectivos cónyuges. Lo que podría ser una buena película de suspense e incluso un buen estudio sobre el matrimonio burgués en aquella época se queda un poco en tierra de nadie. Buenos momentos se alternan con algunos un poco ridículos y la poca química que existe entre Depardieu y Ardant no contribuye a mejorar un conjunto que se ve con bastante agrado, pero sintiendo que a la obra le falta algo importante. El personaje de Depardieu, que termina siendo insólitamente indiscreto se beneficia de que está casado con una mujer que parece rozar la santidad, frente a la tentación carnal que simboliza su vecina, por lo que falta de credibilidad se acentúa.

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UN SIMPLE ACCIDENTE (2025), DE JAFAR PANAHI.

Como ya sabemos por obras como La muerte y la doncella, de Roman Polanski, los torturadores de la vida real no suelen dejar que sus víctimas los vean, por lo que les vendan los ojos durante largos periodos de tiempo. Pero para éstas, la voz de sus verdugos y otros rasgos que puedan ser escuchados durante las largas horas de cautiverio quedan grabados a fuego en su memoria y en el futuro, si sobreviven, quizá podrán reconocer a su torturador de la forma más insospechada. Esto es lo que sucede al comienzo de Un simple accidente, en el que el empleado de un taller mecánico reconoce al responsable de su tormento por el ruido de su pierna metálica. A partir de aquí la película se convierte en una fábula sobre el pasado (y presente) traumático de Irán, una sociedad represiva que no duda en considerar rehenes a sus propios ciudadanos, sobre todo si no cumplen con las estrictas normas del Régimen. Es curioso que Un simple accidente se convierta a ratos en tragicomedia, como si su director no quisiera llevar demasiado la sangre al río y optar por la opción de la reconciliación y el perdón, aunque con el matiz de que llevar a cabo una muerte en frío no es tarea fácil para cualquiera. Si bien Hannah Arendt nos demostró que cualquier persona puede convertirse en un verdugo si se dan las circunstancias organizativas y estatales adecuadas, eso no quiere decir que cualquiera puede convertirse de repente en un asesino, por mucho que le mueva un afán irresistible de venganza. Precisamente hoy Irán protagoniza otro capítulo de su negra historia, un país que cuenta con mucha gente de talento, también en el mundo del cine y que debe huir de allí para poder expresarse con libertad. Tan avanzado el siglo XXI, estas circunstancias deberían tan solo ser un triste recuerdo del pasado.

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EL ÚLTIMO VERANO (2023), DE CATHERINE BREILLAT.

Hasta en las vidas más perfectas de la alta burguesía francesa pueden aflorar los bajos instintos por los que se cometen los mayores errores. Anne vive una existencia plácida con su esposo Pierre. Practican un sexo esporádico, convencional y aburrido dentro de una existencia previsible y sin grandes emociones. Por eso, cuando llegue el hijo de él, fruto de un matrimonio anterior, algo se va a despertar en ella. De un modo absolutamente imprudente empezará a acercarse a él y a filtrear, aunque de forma inconsciente. El joven es un postadolescente que tiene un comportamiento absolutamente irresponsable, como si todo le resbalara y también es un seductor natural, lo cual deslumbra poco a poco a Anne, que se deja caer en una relación prohibida, más movida por el sexo y el morbo que por el amor. Para más inri, ella es una abogada que se dedica a la protección de menores. Sabe lo que está haciendo, pero lo institivo gana la batalla a lo racional. En el último tercio de la película se desatará el auténtico conflicto, cuando todos los personajes tengan que poner sus cartas sobre la mesa y ella deba utilizar sus grandes habilidades como abogada para defender su honorabilidad. El último verano, que es una adaptación de una película danesa de pocos años antes, sabe cómo mantener el interés del espectador en una historia que se vuelve más sórdida e incómoda por momentos. Su mayor defecto se encuentra en las escenas sexuales, ya que no hay diferencia alguna en las que ella protagoniza con su marido y con su hijastro: estas últimas no son creíbles porque no transmiten la presunta pasión que las ha desatado. En cualquier caso, la película es interesante en cuanto no tiene filtros a la hora de mostrar cómo los instintos más bajos pueden derrotar con facilidad a las convenciones sociales más arraigadas.

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UNA BONITA MAÑANA (2022), DE MIA HANSEN-LOVE

La premisa con la que se inicia esta película es tan terrible que le puede pasar a cualquiera: la protagonista tiene que hacerse cargo de los cuidados de un padre que sufre una severa enfermedad neurodegenarativa, un antiguo profesor de filosofía que contempla desolado como se le va escapando la memoria mientras contempla su nutrida biblioteca, símbolo de tiempos mejores. Quizá para refugiarse de esta situación Sandra, que es una viuda joven, empieza una relación con un hombre casado. Todo en esta película apela a lo coditiano, a que el espectador se pueda ver reflejado en las circunstancias que tiene que vivir la protagonista, sus buenos y sus malos momentos. Mi escena favorita, que también tiene algo de siniestro, es el reparto de la biblioteca del fallecido profesor entre algunos de sus antiguos alumnos. Es como recoger fragmentos de una persona e intentar salvaguardarlos. Los libros duran más que las personas, es uno de los absurdos de la existencia y una de las grandezas de la palabra escrita, que puede ser aprovechada por nuestros sucesores.

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LA BESTIA (2023), DE BERTRAND BONELLO.

Una fábula de ciencia ficción muy pretenciosa que, con un guion muy enrevesado mueve su trama entre los años 1910, 2014 y 2044. El protagonismo absoluto es para una excepcional Léa Seydoux que interpreta a una mujer de un futuro muy cercano en el que la Inteligencia Artificial ha tomado las riendas del gobierno de la humanidad. Su objetivo es conseguir un trabajo mejor y para ello se debe someter a un procedimiento de purificación de su ADN, lo que le hará viajar mentalmente a vidas pasadas. Como argumento es interesante, pero La bestia se dedica todo el tiempo a jugar con el espectador a través de una trama supuestamente inteligente que al final resulta ante todo aburrida y pedante. La premisa principal es que la IA exige a los humanos que vayan a asumir responsabilidades laborales importantes que renuncien a sus emociones, que se deshumanicen en suma, para poder tomar sus decisiones con frialdad y eficacia, pero todo ello deriva en una trama confusa y estirada hasta límites poco tolerables para el espectador. Como ya he dicho, lo más interesante de La bestia es el buen trabajo que realizan sus actores principales.

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EMILIA PÉREZ (2024), DE JACQUES AUDIARD.

He empezado a ver esta película con muchas prevenciones, después de las dispares críticas que ha recibido, pues Emilia Pérez ha sido una de las producciones que más pasiones ha levantado en los últimos meses, algunas de ellas por circunstancias no estrictamente cinematográficas. Está claro que su guion es disparatado, pero si uno se deja llevar por la propuesta de Jacques Audiard va a encontrar una propuesta muy estimulante que se mueve entre el musical y el drama. La historia de Manitas del Monte, el narco que quiere empezar una nueva vida convirtiéndose en mujer ofrece un estupendo retrato de los contrastes de un México que sigue inmerso en una espiral de violencia, un país de contrastes entre el lujo más exquisito y la pobreza más extrema. Desde luego, desde un punto de vista moral, Emilia Pérez no convence respecto al perdón de los pecados de su protagonista. Es un narco violento y despiadado que al decidir ser mujer cambia también su personalidad y se transforma en un ser compasivo que funda una ONG dedicada a la búsqueda de personas desaparecidas, pero también sigue siendo alguien muy celoso de su familia y, aunque ante ellos ha simulado su muerte, su verdadero ser va a resurgir cuando las circunstancias pongan en peligro su proximidad a su mujer y a sus hijos. Aunque cuenta con algunas escenas verdaderamente ridículas, en conjunto Emilia Pérez es una película original que sale airosa de una propuesta muy arriesgada. A destacar la perfecta interpretación de Karla Sofía Gascón, elogiada por muchos críticos con toda justicia.

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LAS HIJAS DEL CALIFATO (2024), DE MAREIKE ENGELHARDT.

Las decisiones vitales que toman algunas personas son inescrutables, sobre todo cuando cualquier observador objetivo podría advertir que son altamente perjudicales para quien ha decidido llevarlas a cabo. Pero la decisión de algunas jóvenes occidentales de partir a vivir al Estado Islámico para casarse con alguno de los fanáticos combatientes que lo habitan roza la demencia. Pero esta película no es una fábula, sino que está basado en hechos reales, puesto que fueron bastantes mujeres las que decidieron, como sucede con la protagonista, que la verdadera libertad se hallaba en aquellos desiertos lejanos donde las reglas son más estrictas y habitan hombres de verdad que las iban a hacer felices. Como es previsible, la llegada al Califato es una auténtica trampa para estas chicas, que se ven sometidas a una auténtica restricción de sus libertades para pasar a ser parte de una especie de casa de citas dirigida por mano firme por Madame, una mujer madura francesa y culta que ha decidido establecerse en aquellas tierras con este lucrativo negocio. Porque aquí el islam se interpreta a mayor gloria de unos combatientes que necesitan desfogarse sexualmente con frecuencia y cuyos matrimonios con estas jóvenes inocentes pueden derivar en historias de maltrato de las que no se puede huir si no es a través del suicidio. Las hijas del califato es una historia muy dura que nos habla de lo radical que puede volverse el ser humano en uno u otro sentido, de un fanatismo que es una de las principales amenazas a los valores de un Occidente cuya idea de libertad debería seguir siendo faro para todo el mundo frente a religiones opresoras que se venden como liberadoras. A destacar la estupenda interpretación de su protagonista, Megan Northam.

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LA EVASIÓN (1960), DE JACQUES BECKER.

Una de las mejores películas del cine francés es esta magistral crónica de la fuga de un grupo de presos que conviven en la misma celda. La historia está filmada con un grado de verosimilitud verdaderamente sorprendente, a lo que contribuye que Becker se decantara para filmarla por actores no profesionales. Lo que podría parecer monótono y aburrido, la narración de todos los pormenores y detalles de la preparación de la evasión están mostrados como algo muy interesante y tenso, puesto que las intenciones de los presos pueden ser descubiertas en cualquier momento. La presentación de los personajes, realizada de manera sencilla pero eficaz, también contribuye a que el espectador se identique con ellos y simpatice con sus planes. Becker consigue grandes dosis de realismo con la utilización del sonido y los intentos de los prisioneros por evitar su propagación fuera de su celda. Pero lo verdaderamente magistral viene a partir de que los personajes consiguen acceder a las galerías subterráneas, escenas sombrías en las que casi podemos respirar el ambiente cerrado de esos espacios, hasta que un par de ellos en una de sus exploraciones consiguen asomarse al exterior a través de la tapa de una alcantarilla. Ese atisbo de libertad, esa tentación de salir corriendo y dejar atrás a los compañeros que permanecen en la celda a la espera es uno de los momentos más memorables de la historia del cine. La evasión es toda una lección de construcción de una historia plena de tensión y de humanismo con pocos medios.

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EL JUICIO DEL PERRO (2024), DE LAETITIA DOSCH.

Película judicial de argumento un tanto absurdo: el acusado es un perro que ha mordido en la cara a una inmigrante portuguesa. El juez deberá dilucidar si bajo el aspecto encantador y sociable de Cosmos (que así se llama el animal) existe un perro misógino. Bajo esta premisa tenemos una obra que no acaba de encontrar su tono entre la comedia satírica, el drama judicial y el más puro absurdo. Y esto es enfatizado por el personaje principal, el de la abogada de la defensa, que protagoniza un par de escenas un tanto perturbadoras y que no tienen mucho sentido en la trama de la película: la conversación subida de tono con su jefe, al principio de la película y la relación con su vecino adolescente, al que llega a dejar dormir en su cama porque el joven tiene problemas en casa, algo que sería verdaderamente inaceptable si cambiamos el sexo de los protagonistas. Aunque dice estar basada en hechos reales, es difícil de creer que la trama se desarrollara tal y como se nos muestra aquí, ya que esto recuerda más a los juicios a animales relativamente frecuentes en la Edad Media que a un procedimiento jucidial racional de nuestro tiempo. En la segunda mitad de la película hay un conato de crítica social ante la reacción dividida de la gente frente a lo expuesto en el proceso: están los que defienden al perro y los que defienden a la presunta víctima. Lo mejor de El jucio del perro es la interpretación del protagonista canino, volcado en su papel de una especie de doctor Jekyll y Mr. Hyde perruno.

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CRÓNICA DE UN AMOR EFÍMERO (2022), DE EMMANUEL MOURET.

Crónica de un amor efímero es una historia de infidelidad narrada con un tono muy ligero. Para su protagonista, que es un hombre tímido, de poco atractivo y torpón, resulta la situación ideal encontrarse con alguien como esta madre soltera y vitalista que quiere una relación sin ataduras sentimentales, solo consagrada a la búsqueda de un placer efímero y no culpable. El tono de la película recuerda mucho al de las comedias de Woody Allen, un humor que se basa en la relación de dos personas de ideas antagónicas. Quizá todo está diseñado para que el espectador se identifique con él, sobre todo porque es el único de los dos que expresa escrúpulos morales a la situación que está protagonizando. Las cosas empiezan a torcerse para el protagonista cuando entra otra muchacha en su relación clandestina e ésta intenta convertirse en un trío. Crónica de un amor efímero se contempla con agrado, pero también se olvida fácilmente, puesto que su argumento nos suena a algo ya conocido. Lo mejor es disfrutar de la indudable química que existe entre ambos protagonistas, Sandrine Kiberlain y Vicent Macaigne.

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EL BELLO SERGIO (1958), DE CLAUDE CHABROL.

El bello Sergio comienza con el regreso de un joven a su pueblo después de haber pasado muchos años en la ciudad. Allí encontrará un ambiente un poco asfixiante y al que fue su mejor amigo convertido en un alcohólico que trata mal a su mujer. La vida pueblerina es presentada aquí de manera un tanto salvaje, pero el protagonista es un hombre que se compromete a sacar a Sergio del pozo en el que se encuentra en nombre de su antigua amistad. Frente a otras visiones, la vida pueblerina aquí no se encuentra idealizada, sino que parece que la cultura adquirida en la gran urbe es superior en confrontación a la cerrazón de los habitantes de un lugar en el que se han enquistado conflictos que solo pueden ser resueltos con la llegada de un factor externo. En este sentido, El bello Sergio tiene también mucho de antropológico, pues ofrece al espectador una completa muestra de lo que es la vida rural, de lo aislada, aburrida y absurda que puede llegar a ser. La película de Chabrol, la primera del cineasta, es una especie de precedente de la nouvelle vague, aunque todavía con más elementos del cine clásico que innovadores. 

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PARÍS, DISTRITO 13 (2021), DE JACQUES AUDIARD.

Historia coral de un grupo de jóvenes que salen adelante con trabajos precarios y viven en el distrito de Les Olympiades de París. Son gente - al menos aparentemente - ajenas al compromiso amoroso, pues cambian de pareja con la misma facilidad con la que cambian de trabajo o de vivienda. En este sentido Audiard ha reflejado muy bien la existencia de muchos jóvenes profesionales de hoy que jamás van a encontrar estabilidad en sus vidas, pero la película no es exactamente una denuncia social, sino la crónica de un triángulo amoroso que bebe en cierto modo de las películas de Woody Allen. Los personajes aceptan su existencia nihilista sin mucho problema y establecen sus relaciones precarias pensando solo en el carpe diem, porque tampoco pueden permitirse hacer las cosas de otra manera. En cualquier caso, se supone que la tecnología podrá mantener conectados a quienes han perdido el contacto físico, aunque este contacto sea relativo. La historia de estos personajes se sigue con interés, pero uno se olvida de ellos con la misma facilidad con la que simpatizó con los mismos.

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ESTAMOS HECHOS PARA ENTENDERNOS (2021), DE PASCAL ELBÉ.

Antoine es un profesor de secundaria que está empezando a padecer un pequeño drama: se está quedando sordo. Buena parte del contenido de comedia de esta película tiene que ver con los pequeños malentendidos que causa al protagonista su nueva condición, que al principio se niega a asimilar, aunque acabará acudiendo al médico para que le coloquen un aparatito en el oído. El otro punto de interés de Estamos hechos para entendernos es la relación que el Antoine establece con su vecino que, como suele suceder en este tipo de películas, comienza siendo de odio para transformarse finalmente en amor, en este caso con la ayuda de la buena relación que el profesor establece con la pequeña hija de la vecina. La obra de Elbé se ve con cierto agrado, pero no deja de ser una comedia intrascendente que se sostiene por el buen hacer de sus intérpretes principales. Seguramente pasará por los ojos de la mayoría de los espectadores sin pena ni gloria. 

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EL OTRO SEÑOR KLEIN (1976), DE JOSEPH LOSEY.

El señor Klein se ve a sí mismo como un hombre pragmático. Por eso no le importa aprovecharse de la situación que vive Francia en 1942, durante la ocupación y se dedica a hacer negocio a través de vendedores judíos desesperados. Un día recibe en su puerta un diario judío que solo llega a suscriptores. El hecho le inquieta y decide investigar. Pronto se va a ver envuelto en una intriga de corte kafkiano, en la que incluso empieza a dudar de su propia identidad, puesto que existe alguien que se llama igual que él que puede haberle tendido una trampa que le haga caer en la telaraña nazi. Como si de una dosis de karma se tratara, Klein empieza un lento descenso a los infiernos que puede despojarle de su magnífico bienestar e identificarle con los parias de aquel momento histórico. El espectador se identifica en todo momento con la extraordinaria interpretación de un Alain Delon al principio cínico, después desconcertado y finalmente horrorizado por el giro del destino que está sufriendo su existencia. La última escena de la película es realmente memorable y resume todo el horror de una época infame no solo para Alemania, sino también para la colaboracionista Francia. Todo ello marcado por una atmósfera asfixiante que va creciendo gracias al ejemplar guion de Costa-Gavras. 

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EL SUCESOR (2023), DE XAVIER LEGRAND.

El sucesor comienza contando la vida cotidiana de una estrella de la moda que está preparando la presentación de una nueva colección, una existencia estresante que está empezando a hacer mella en su salud. El protagonista tendrá que hacer una pausa para acudir a Canadá, donde acaba de fallecer su padre. Una vez allí y a mitad de la cinta más o menos, se producirá un sorprendente giro de guion que transforma incluso el género cinematográfico de la película que estábamos viendo hasta ahora. La propuesta de Xavier Legrand gira en torno a herencias - monetarias y genéticas - no aceptadas ni asumidas, pero falla cuando propone unas reacciones absurdas del protagonista frente a una situación insólita que requería ser afrontada de una manera muy diferente. Es como si, en vez de hacer lo que es lógico en un caso así, Elías quisiera unirse al destino de su padre de la manera más escabrosa posible. Es difícil continuar sin contar los giros de un argumento demasiado enrevesado y poco creíble. Nos podemos quedar con la estupenda dirección de Xavier Legrand, aunque esta película baja unos cuantos peldaños respecto a su magnífica Custodia compartida.

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GABRIELLE (2005), DE PATRICE CHÉREAU.

Gabrielle refleja el intenso drama provocado por una crisis matrimonial en pleno siglo XIX. La esposa hace amago de marcharse sin avisos previos y el mundo perfectamente burgués del esposo se desmorona, porque se ha puesto en duda su lugar en la sociedad. Conceptos como amor, desamor o sexo son expuestos por ambos miembros de la pareja en un combate singular y agotador. Él se conforma con guardar las formas y permanecer al lado de la que considera su mejor posesión. Ella se ha rebelado definitivamente frente a su papel secundario y se encuentra definitivamente desorientada. Chéreau entrega una película muy teatral a la vez que psicológica que no logra conmover al espectador, quizá por la frialdad de una puesta en escena que se transmite a los personajes. En cualquier caso la película es sostenida por dos gigantes de la interpretación como Isabelle Huppert y Pascal Greggory, que salen airosos del reto de transmitir sentimientos que han estado guardados durante muchos años.

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