Desde hace unos meses nos vienen machacando desde todos los frentes posibles acerca de las grandes virtudes de "la roja". "La roja" es la nueva denominación que se ha inventado para la Selección Española, a la que yo recuerdo siempre que se le llamaba "la furia". Pero estos detalles no tienen importancia.
Lo cierto es que la Selección va a Sudáfrica sintiéndose favorita, con orgullo, con casta, con los mejores jugadores del mundo, con confianza total... y con muy poca humildad. Si echamos un vistazo al historial del equipo español en los mundiales las razones para el optimismo se esfuman como el azucarillo en el café. No obstante, la publicidad sigue bombardeándonos y presentando a los jugadores como si fueran una especie de dioses a los que debemos adorar (a mi particularmente me cae muy mal Villa por su permanente expresión chulesca, pero eso son cosas mías). Lo cierto es que con toda esta parafernalia si España sigue el guión de los últimos campeonatos del mundo, el batacazo y el ridículo van a ser antológicos.
Ojalá que no, ojalá que el equipo le de una momentánea alegría a un país que está sufriendo tanto en los últimos años, pero lo cierto es que han de saber ustedes que la broma nos saldría por un pico a los contribuyentes. Nada menos que 550.000 euros por cabeza embolsarían los miembros de "la roja" de producirse el milagro de ganar el campeonato. Por supuesto, a costa del contribuyente. Que los jugadores sean ya hipermillonarios no es razón para que hagamos un esfuerzo común y que seamos el país que más ofrece a sus jugadores si se alzan con la copa. Parece ser que el orgullo de los colores se siente con más viveza si hay un mullido colchón de euros esperando al final del camino. Todo sea por agasajar a nuestros dioses.
Decía el doctor Johnson que el patriotismo es el último refugio de los canallas. No quiero decir con esto que los protagonistas de esta película sean unos miserables, pero sí que son, todos y cada uno de ellos, unos patriotas incurables.
Es esta una obra de tema bélico, pero sin escenas bélicas. La mayor parte de su metraje transcurre en un par de campos de internamiento para prisioneros en Alemania. Estamos en la Primera Guerra Mundial y el resultado de la contienda es incierto. Unos días las "victorias" son para los alemanes y otros para los aliados, pero los avances de uno y otro bando son poco significativos y se efectúan al precio de enormes masacres de hombres. En esta tesitura, la situación de los protagonistas, prisioneros tratados realmente bien, casi como camaradas, por los alemanes se torna casi envidiable. Pero los protagonistas son patriotas que necesitan huir para seguir disputando la guerra. Y necesitan hacerlo a cualquier precio.
Uno de los discursos más interesantes de "La gran ilusión" es la relación que se establece entre el comandante del campo y uno de los protagonistas, un aristócrata francés. Para el primero, su verdadera patria es su clase social superior, por lo que trata al prisionero con especiales atenciones, como a su semejante. El francés, superando este pensamiento, es capaz de sacrificarse por sus compañeros. También es curioso el tratamiento de Renoir al personaje del judío de familia rica, que comparte todos los alimentos que le llegan con sus compañeros de cautiverio, una alegre pandilla en realidad, que parecen estar más en una especie de internado con reglas un poco estrictas que prisioneros de su enemigo.
Quizá la "gran ilusión" del título sea el pensamiento generalizado de la época que refleja la película de que la Gran Guerra iba a ser la guerra que acabase con todas las guerras. Cuando la película fue estrenada, nuevos vientos bélicos soplaban por Europa y el enemigo volvía a ser el mismo. El título se torna aquí amargo y casi irónico.
Gran película de Renoir, reconocida generalmente como una de las grandes obras del cine europeo. Impecable realización, guión profundo y reflexivo. Solo falta un dibujo más profundo de los personajes, que el espectador los conozca mejor y se pueda identificar con ellos. Todos son demasiado perfectos, de ideas fijas, casi sin matices. Perfectos en el servicio a la patria, quiero decir. Personalmente encontraría más humano a quien se negase a seguir combatiendo en aquella guerra tan cruel como inútil.
En 2005 el prestigioso y altamente irregular Gus Van Sant entregaba una especie de crónica de los últimos días del líder de Nirvana, aunque cambiándole el nombre de Kurt por el de Blake.
Blake deambula por el bosque, se baña en un río. Blake deambula por su destartalada mansión, se pone un camisón de mujer, se peina, se cambia de ropa. Siempre desaliñado y alucinado vaga como alma en pena sin ser capaz de establecer comunicación alguna con el resto de los mortales. ¿Tiene esto algún interés? Quizá para los fans de Nirvana podía tener el morbo de ofrecer alguna explicación acerca de la llamativa muerte de su ídolo. Pero ni siquiera esto aporta. Blake se pasa la película huyendo en círculos no sabemos muy bien de qué. Las drogas embotan su cerebro y su entendimiento y solo es capaz de expresarse (y estos son los únicos buenos momentos de la película) cuando toma una guitarra y comienza a tocar.
En resumen, la película no aporta nada a los nostálgicos de Nirvana, es un ejercicio cinematográfico vacío. Solo puede tener interés para quien quiera contemplar en tiempo real la vida cotidiana de un drogadicto en las últimas. Pero esto lo retrató mejor el cineasta en la magnífica "Drugstore cowboy".
Todo un descubrimiento la primera novela de Iweala. Se trata de la narración en primera persona de las terribles andanzas de un niño soldado al que roban su infancia en algún país africano. Dotada de grandes dosis de violencia, la narración es capaz de conmover al lector ante el cruel destino sufrido por Agu, el protagonista, que desde el principio tiene remordimientos por las acciones que se ve obligado a realizar. Aquí el enlace al artículo:
http://novelaactual.suite101.net/article.cfm/bestias-sin-patria-una-novela-de-uzodinma-iweala
Vendida como un estreno muy prestigioso, de cine de autor, pero distribuida en muchas salas, avalada por muy buenas críticas, la película tenía a priori todos los ingredientes para hacerme pasar una buena velada cinematográfica. Pero me he llevado una decepción mayúscula.
La historia comienza de manera prometedora, con Leonard, el protagonista, abatido por una traumática ruptura sentimental, intentando suicidarse. En el último momento se arrepiente, deja que le ayuden y abandona precipitadamente el muelle desde el que se tiró al mar. Vuelve a casa, vive con sus padres, unos padres complacientes y comprensivos, dueños de una tintorería que da trabajo también a su hijo. Leonard, para más señas, padece un transtorno bipolar. A partir de aquí, según mi humilde parecer, las situaciones que se suceden son absurdas y forzadas. Leonard, sin el más mínimo esfuerzo y sin esperarlo, seduce prácticamente a la vez a dos hermosas mujeres: Sandra, la hija de los futuros socios de sus padres, una joven que dice haberse enamorado de él con solo mirarle y que le ofrece cuidarle sabiendo de su enfermedad y Michelle, la vecina de arriba, que le pide consejo en una relación complicada con un hombre casado.
Los diálogos del film son bastante espurios, no son creibles en ningún momento, al igual que las acciones de las protagonistas femeninas, siempre complacientes y rendidas a los deseos de Leonard, que se gana sus simpatías sin esfuerzo alguno. Lo cierto es que en pantalla estamos viendo a actores que han pasado ampliamente los treinta (alguno se acerca más a los cuarenta), comportándose como veinteañeros, indecisos, irreflexivos e impulsivos al tomar importantísimas decisiones y, lo que es más grave, cambiando de sentimientos cada cuarto de hora como si tal cosa. Una pequeña gran decepción. ¿Qué habrá visto la crítica en esta película?
Ir al cine en estos tiempos se ha convertido en un ejercicio demasiado convencional y falto de la magia de antaño. El noventa por ciento de las salas se encuentran en centros comerciales dotados de su correspondiente Carrefour, Springfield o McDonald y todas suelen tener las mismas películas, siempre las más taquilleras. Hollywood apuesta sobre seguro: películas románticas protagonizadas por Jennifer Aniston o Sandra Bullock, comedias sin gracia de Steve Carell o algún remake en 3D. Poco más. Quien quiera ver un cine diferente lo tiene muy difícil si no vive en las grandes capitales. Está el dvd, sí, pero todavía no es una experiencia semejante a la de acudir a una sala de cine.
Entre las dificultades de elección en una cartelera clónica y poco seductora el otro día elegimos esta película, de la que yo había leído algunas críticas aceptables. Lo cierto es que, en el panorama actual, su guión y realización aportan una dosis de frescura aunque, eso sí, sin demasiados riesgos.
Henry es un hombre con una genética singular. Es un viajero en el tiempo, pero no como todos nosotros que avanzamos siempre a la misma velocidad hacia el futuro, sino de un modo caótico. De vez en cuando, sin razón aparente, desaparece de su ubicación espaciotemporal actual para aparecer desnudo en el pasado o en el futuro, siempre en el ámbito temporal de su existencia. Henry aprovecha estos viajes para ir enamorando desde niña a Clare, que se convertirá en su sufrida pareja, siempre temiendo los desvanecimientos en el aire de su esposo, ya que nunca sabe cuanto va a tardar en volver y en que estado lo hará. A veces vuelve después de haber estado con ella misma en el pasado.
La película va dosificando todas estas explicaciones para que el espectador vaya entrando poco a poco en esta lógica y se interese por el destino de los personajes y como sobrellevan esta peculiar forma de vida, que resulta un pequeño infierno para ambos. El director hace avanzar hábilmente la trama con saltos en el tiempo muy bien llevados para que podamos seguir la historia de Henry. El guión cae a veces en la sensiblería, pero sin manipular en ningún momento al espectador.
Si hay que ponerle algún pero sería al absoluto protagonismo de los dos personajes principales y la falta de aprovechamiento de los secundarios, como esa pareja de amigos que apenas aparece y que han tenido un importante papel en la trama del que apenas tenemos noticia. La escena en la que Henry se despide de su amigo carece de la fuerza necesaria porque apenas conocemos a éste. En todo caso, el film es una buena opción a la hora de elegir una realización con unas mínimas exigencias de calidad y se encuentra bien distribuida, por lo que pueden encontrarla seguramente en su centro comercial más cercano.
Lo primero que hay que hacer para efectuar una valoración de esta película es situarla en su contexto histórico: el final de la década de los treinta era un periodo muy convulso para Francia. En la vecina España se libraba una cruenta Guerra Civil que estaba ganando Franco, ayudado por nazis e italianos. Francia comenzaba a sentirse rodeada por enemigos y acosada por una Alemania cada vez más agresiva. Quizá esta película sirviera de estímulo apelando a una época de gloria para el país: la de la Revolución.
"La Marsellesa" cuenta algunos episodios revolucionarios desde la óptica de los más humildes, de un grupo de personajes extramadamente idealistas que pretende cambiar radicalmente el status quo, unos personajes que hacen de la fraternidad su modo de vida. Demasiado bondadosos. Unos estereotipos demasiado obvios, que quieren resaltar el poder del pueblo en su lucha contra unos opresores retratados también de forma caricaturesca: desde el rey hasta los nobles exiliados.
Lo cierto es que como película histórica nos vale bien poco. Las acciones de los personajes son demasiado teatrales y poco realistas, salvo en el asalto final a las Tullerías, filmado con pulso por Renoir. El resto queda como un simulacro bien narrado, pero sin alma. Se obvia demasiado en la película la parte más terrorífica de la Revolución que, si bien nos dejó abundantes beneficios que podemos seguir disfrutando hoy día, el camino hacia tales resultados no fue tan cándido como nos quieren mostrar aquí, sino que estuvo sazonado con abundantes dosis de sangre y terror.
Se le veía preocupado a Zapatero cuando subía a la tribuna del Congreso esta mañana, como si hubiera dormido mal. No era para menos, iba a anunciar que dejaba de ser el presidente que quería pasar a la historia de España como el más social para transformarse de la noche a la mañana en todo lo contrario.¿Cómo hemos llegado a esto? Lo cierto es que, sin tener que echarle toda la culpa al gobierno, ya que la crisis es internacional, aunque aquí se ve agravada por una serie de factores, la cadena de malas decisiones dura ya demasiado. Primero se negó la crisis, luego se reconoció, pero desde entonces no ha habido mes en el que algún miembro del ejecutivo o su mismo presidente saliera a la palestra para asegurarnos que habiamos tocado fondo y que la recuperación era inminente. El mismo Zapatero en su discurso de hoy ha reconocido que es difícil que los ciudadanos entiendan estas medidas cuando el país está saliendo ya de la crisis. Da la impresión de que no sabe muy bien de lo que está hablando.
Hace un año, la simpática Leire Pajín, declaró, con toda la solemnidad del mundo, que en el primer semestre de este año, al coincidir la presidencia europea por parte de Zapatero con la estadounidense por parte de Obama, se iba a producir un acontecimiento a escala planetaria. No iba muy desencaminada, pero se le olvidó aclarar que en realidad el planeta era Obama y Zapatero un mero satélite presto a cumplir sus órdenes. Si hasta ahora nuestro presidente ha negado por activa y por pasiva que se fueran a producir recortes en los derechos sociales, ha bastado una misteriosa llamada de teléfono del presidente estadounidense para que los acontecimientos se precipiten. Seguramente los recortes estaban ya decididos cuando se produjo la conversación telefónica, pero es posible que ésta los haya profundizado.
Lo cierto es que con todo esto, si a los funcionarios les queda un cinco por ciento menos de salario, al resto de ciudadanos nos queda una sensación de desazón difícilmente superable. Da la impresión de que el país se tambalea peligrosamente del lado de Grecia. Si no se hubieran tomado tantas medidas a lo loco, si no se hubiera cogido dinero de donde no lo había para el desastroso e improvisado Plan E, que llenó nuestas calles de zanjas por enésima vez, si se hubiera sido un poco más coherente con el cheque bebé y haberse ofrecido solo a familias con poco nivel adquisitivo, si no se hubiera tomado esa absurda medida de no retener 400 euros a todas las rentas, altas o bajas, para ahora tener que subir el IVA, si no se hubiera suprimido el impuesto sobre patrimonio, que gravaba a las rentas más altas... Todo esto sin tener en cuenta los múltiples casos de corrupción que dan a los ciudadanos una imagen espantosa de los políticos. Muchos errores y terribles consecuencias.
A ver qué nos deparan los próximos meses...
El miércoles pasado pasamos una buena tarde junto a Juan Bonilla, hablando sobre su libro de relatos, sobre sus anteriores escritos y sobre literatura en general.
En respuesta a una de mis preguntas, Bonilla confesó que es un escritor sin método, que escribe por rachas, cuando siente la necesidad de hacerlo, tal y como declara en una entrevista realizada por el blog "El síndrome Chejov":
"Supongo que he tenido mucha suerte y lo he podido vivir de la manera más natural posible: escribiéndolos cuando me apetecía hacerlo, sin presiones de ningún tipo, experimentando si me dejaba el humor, corrigiéndome a mí mismo con preocupante facilidad, y leyéndolos siempre, sin parar: mi fidelidad al género no es tanto como escritor de relatos , sino como lector".
Y son precisamente algunos de los mejores relatos de "Tanta gente sola" preciosos ejercicios de metaliteratura aprovechados por el Bonilla lector de Borges o de George Perec los que quedan en la memoria del lector. Algunos de nosotros incluso hemos continuado la propuesta "El lector de Perec" redactando nuestra propia lista de recuerdos, por lo que, de alguna manera, le hemos dado continuidad a un libro que, lejos de estar cerrado con las palabras del autor, continua expandiéndose en el espíritu de cada lector una vez que ha sido publicado y el autor pierde el "control" sobre él, lo cual sucede con cualquier libro que sea bueno, o que a un determinado lector le parezca bueno.
Así pues, "Tanta gente sola" es una propuesta muy digerible en el panorama actual del cuento, contiene páginas muy originales que nos sumergen en una especie de universo, creación original del autor, repleto de referencias literarias, de nuestra propia actualidad y, es de suponer, de sus propias experiencias vitales. Un autor, por cierto, que es tan humilde como para reconocer (yo no la he leído y no puedo opinar), que su novela más famosa "Nadie conoce a nadie", objeto de una adaptación cinematográfica hace algunos años, no vale nada. Sus cuentos, al menos, sí son valiosos.
Luis Buñuel, uno de los grandes directores de la historia, se despidió del cine a lo grande, con esta historia que es una especie de resumen de sus obsesiones y de su manera de entender la relación con el espectador.
Como en "Viridiana" o en "Tristana", Fernando Rey vuelve a ser un galán maduro, adinerado e imposible. El objeto de su deseo, Conchita, es interpretado por dos actrices, la fría Carole Bouquet y la más ardiente Ángela Molina, que se completan a la perfección a la hora de definir a un personaje que se mueve entre la ingenuidad, su presunta inexperiencia y la utilización ventajista (aunque no la explota al máximo) de su relación con don Mateo Faber.
La historia está estructurada como el relato con que don Mateo deleita a sus compañeros en un compartimento ferroviario durante un viaje de Sevilla a Madrid: la historia de su pasión frustrada por una joven que enciende su llama para después apagarla repentinamente, de su paciencia, de sus angustias, de sus esperanzas, de sus sufridos pasos del amor al odio... Todo ello sazonado con algunas dosis de surrealismo, como la memorable escena en la puerta de la catedral de Sevilla, donde unas gitanas enseñan a los protagonistas a su churumbel, que resulta ser un cerdito.
Por si no se ha dicho lo suficiente, esta es otra muestra del genio interpretativo de Fernando Rey, en un papel a su medida, dotado de todos los matices y cambios de estado posibles, un personaje capaz de soportar todas las humillaciones sin perder por completo su dignidad.
Y que despedida la de Buñuel, con una última escena digna de un ser pesimista y obsesionado con el sexo y la muerte. Inolvidable.
Nada es más grato que leer una novela (o un libro de cuentos) y sentarte al día siguiente a intercambiar impresiones con el autor. Yo he tenido la oportunidad de hacerlo dos veces esta semana (la primera con Juan Bonilla y la segunda con Jaime Santa-Olalla) y ambas experiencias han sido muy gratificantes y me han servido para acercarme un poco a la labor del escritor.
El libro de Jaime es de sencilla lectura, lo cual no quiere decir que carezca de profundidad en sus contenidos, con lo cual es de lo que dejan un poso, materia para reflexionar durante días, ya que los temas tratados en la novela tocan nuestras propias realidades vitales.
"Corazón de mudanza" comienza, tal como nos recordó Margarita Souvirón en su solvente presentación, en pleno proceso de cambio por parte de dos de sus protagonistas, que rompen con sus parejas para imbuirse de inmediato en el dolor que ello supone, pero también, y esto es lo importante, aprovechan las oportunidades que dicho cambio supone, tratando siempre de acercarse al ideal de felicidad, siempre tan deseable y escurridizo.
Con un proceso de preparación y escritura que le ha llevado los últimos cuatro años, Jaime Santa Olalla se ha inspirado a partes iguales en sus experiencias personales y en su imaginación para entregar una historia de sentimientos propios de cualquier época o lugar, pero que él sitúa en la Málaga actual.
Si hubiera que ponerle un pero a la novela, sería la visión idealizada de una ciudad como Málaga, tan llena de contradicciones, claro que en ningún momento esta ha sido la intención del autor, que quiere centrarse en los aspectos más íntimos de la trama. Los personajes en general gozan de la suficiente solvencia económica como para centrarse exclusivamente en sus conflictos sentimentales, familiares o incluso de salud. En todo caso, su próxima novela parece que reflejará realidades menos agradables de nuestra querida ciudad.
Una novela muy solvente, que al final es, entre otras muchas cosas, un homenaje al refugio que ofrecen la familia y los amigos ante los reveses de la existencia.
Desde hace unos años, con el impulso principal de Oliver Stone, ha surgido un tipo de películas biográficas que aprovechan la narración de la vida, milagros y psicología de un personaje para profundizar también en el espíritu de la época retratada, que suelen ser los años sesenta y setenta, un momento decisivo de cambios y contradicciones.
Michael Mann es un director irregular, capaz de lo mejor y lo peor, pero lo que no puede negársele es que siempre es capaz de entretener al espectador. En esta ocasión da a Will Smith el papel de su vida y éste es capaz de aprovechar la oportunidad para entregarnos una interpretación muy solvente de Muhammad Alí, para muchos el mejor boxeador de todos los tiempos.
Personalmente nunca he considerado el boxeo estrictamente como un deporte. Más bien se trata de una modernización de las luchas de gladiadores de la antigua Roma pero sin armas y prescindiendo de la muerte de uno de los púgiles. En todo caso se trata de saciar la sed de violencia del ser humano, una derivación del antiguo "pan y circo", que en nuestro país no ha gozado de demasiada fortuna. Aquí lo sustituimos por la "fiesta" de los toros.
En todo caso el filme es una excusa perfecta para hablar de la lucha contra la segregación racial, gran compromiso vital del protagonista. En realidad la batalla más ardua de Alí se produjo contra el propio gobierno de los Estados Unidos, al negarse a participar en la guerra de Vietnam, con el sencillo argumento de que él no tenía nada contra el Vietcong, mientras que su país le quedaba aún mucho para garantizar la igualdad de todos sus ciudadanos ante la ley. Fue una batalla dura y valiente, que a punto estuvo de acabar con él, pero que acabaría ganando. Siempre supo poner su libertad y la de sus conciudadanos por encima de su carrera pugilística. Es interesante el discurso que le lanza un personaje sobre la libertad:
"A Dios no le importas tú. Ni le importo yo. En el conjunto no valemos nada. No nos conoce. Existimos. Y es lo único que hizo. Pero está bien, por eso somos libres. La libertad no es fácil. Es realidad y la realidad es jodida. Es trabajar para comer. Andar por tu propio pie. No es fácil ser libre."
La consagración de Alí llegó con el legendario combate contra Joe Frazier celebrado en Zaire. En términos estrictamente cinematográficos aquí se produce el mismo problema que sucedía a Clint Eastwood en "Invictus": reproducir en una película un acontecimiento deportivo del que existen ya espectaculares imágenes televisivas muy conocidas resulta un tanto artificioso. En todo caso Michael Mann sale bien del aprieto, aunque es inevitable para el espectador, una vez visionada la actuación de Will Smith, asomarse a you tube para ver por unos instantes al verdadero Alí realizando los mismos movimientos sobre la lona, pero con más autencidad...
Beckett es uno de los grandes representantes del pesimismo literario, de la visión absurda de la existencia. En una de sus cartas proclamaba:
"Si pesimismo es un juicio en el sentido de que el mal sobrepasa al bien, no se me puede acusar de pesimista ya que no tengo ni deseos ni competencia para juzgar. Simplemente he encontrado más de lo uno que de lo otro."
El pesimismo como concepción realista de la vida. Si nos ponemos un rato a pensar en los males que pueden acecharnos en cualquier instante y en lo irremediable de nuestro final, estaremos de acuerdo con él.
"Los días felices" es una obra teatral angustiosa, concebida para que el espectador se sienta incómodo desde el primer momento con lo que observa en el escenario. Winnie es una mujer enterrada hasta el pecho en un montículo calcinado. Vive en un desierto de calor extremo, sin vida alrededor. Su marido está con ella, oculto en un agujero del que solo puede salir arrastrándose torpemente. No sabemos lo que ha producido esa situación, aunque según las anotaciones de Beckett en las primeras versiones de la obra, parece que ha sido una especie de guerra nuclear, aunque esto en realidad no tiene importancia.
En todo caso, en esta situación extrema, en la que solo puede mover los brazos y la cabeza, Winnie procura que sus días transcurran en una plácida felicidad. Para ello oficia algunos rituales cotidianos, como peinarse, mirarse en un pequeño espejo o limpiarse los dientes, de manera pausada, tratando de mantenerse ocupada en el transcurso de las largas horas de que consta el día, siempre agradeciendo el más pequeño detalle que le haga sentir que está viva, hablando sin parar, como alucinada, como si cerrar la boca significara estar muerta.
Además de escucharse a sí misma, Winnie necesita sentir que alguien le escucha o que al menos tiene la posibilidad de hacerlo:
"Quisiera no saber lo que dijese nada decir, hablar, hablar tan solo; - con palabras vacías de sentido - vaciar el alma. ¿Qué importa el sentido de las cosas si su música oís, y entre los labios - os brotan palabras como flores - limpias de fruto?"
Su marido Willie parece que hace tiempo que renunció al mundo y solo existe como por inercia, perdida ya gran parte de su humanidad. Cualquier contestación a una pregunta, siempre de manera breve y banal, a veces con meros monosílabos, es celebrada por la protagonista como una confirmación de su felicidad vital.
La obra es en realidad un largo monólogo de Willie (uno de los personajes femeninos más difíciles de interpretar en el teatro), con alguna leve réplica de su marido. La protagonista se aferra a la existencia, cualquier excusa es válida para ello, pero la cruda realidad va imponiéndose poco a poco. Beckett no es un moralista y deja que el espectador saque sus propias conclusiones, que no van a ser gratas en ningún caso.
La lectura de esta obra marca como pocas, pero poder verla representada en el teatro debe ser una experiencia inolvidable. A ver si un día se me presenta la oportunidad...
Se trata de un libro necesario y original, porque pocas veces podemos asomarnos a las más íntimas motivaciones del soldado que está inmerso en una matanza. Ciertamente, las verdaderas sensaciones solo puede conocerlas quien ha vivido la experiencia, pero la profesora Bourke trata de acercárnoslas a través de los testimonios de quienes pisaron el infierno y volvieron siendo otros:
http://historiasigloxx.suite101.net/article.cfm/sed-de-sangre-de-joanna-bourke
Pues sí, después de mucho tiempo, este mes vamos a contar con la presencia de un autor, Juan Bonilla, con el que tendremos tiempo de comentar su última obra, el libro de relatos "Tanta gente sola", muy recomendable, por cierto. Será el miércoles (no jueves esta vez) día cinco en la Biblioteca Provincial. A partir de la semana que viene, ya los jueves, leeremos una novela del gran Guy de Maupassant, "Nuestro corazón". Si es tan bueno escribiendo novelas como relatos, disfrutaré mucho su lectura.
En el club de lectura de Cincoechegaray se leerá "Bestias sin patria", de Uzodinma Iweala, autor del que no tengo ninguna referencia y en el de ensayos "El sublime objeto de la ideología", del pensador de moda Slavoj Zizek.
Stefan Zweig, autor siempre presente en estos clubes, tendrá protagonismo en la Casa del Libro con "Ardiente secreto". Zweig es un valor seguro, por lo que estoy convencido de que esta novela será tan apasionante como todos sus escritos.
Y comentar también, aunque no sea estrictamente un club de lectura, que mi amigo Jaime Santaolalla presenta su novela en la Fnac. Será este jueves a las ocho de la tarde. Prometo asistir esta vez, si no hay nada que lo impida. Y con la novela leída.
Hace un año, a raíz del estreno de "Monstruos contra alienígenas" publiqué un artículo bastante elogioso con la incipiente tecnología de 3D. No es que creyera que iba a ser algo revolucionario o positivo para el cine, pero me pareció una innovación lo suficientemente llamativa, por lo novedoso, como para confiar en que se usara sabiamente. Esto es lo que ha sucedido por ejemplo en "Avatar", que fue filmada con cámaras especialmente preparadas en este sistema. Pero, un año después, proliferan las películas en la que la técnica de 3D se ha añadido después y no durante la filmación de las mismas, dando así un resultado bastante penoso a ojos del espectador.
Cualquier estreno firmado por Tim Burton merece la consideración del cinéfilo. Durante los últimos años ha sido uno de los pocos directores de Hollywood con un estilo personal e inimitable. Para mí su mejor película sigue siendo "Ed Wood", un portentoso retrato del que fue llamado "peor director de la historia", realizado de manera muy respetuosa. Así que, la adaptación de la novela de Lewis Carroll podría tratarse de un nuevo vehículo para el lucimiento de este director. De hecho, "Alicia en el País de las Maravillas" y "A través del espejo" se emparentan perfectamente con el estilo de Burton, que combina a la perfección la crueldad de las fábulas infantiles con escenarios siniestros y personajes grotescos.
Lo cierto es que la película no comienza del todo mal, aunque tenga uno que acostumbrarse a que la tecnología 3D en esta ocasión produzca un extraño acartonamiento en los personajes. Alicia ha crecido, y esta en edad de comprometerse matrimonialmente. Pero Alicia sigue siendo en cierto modo aquella niña imaginativa que conocimos los lectores de Carroll, por lo que siempre busca algo más en el aburrido mundo real, aunque ese algo más resulte del todo imposible. El mejor momento se alcanza cuando la protagonista abandona precipitadamente su propia ceremonia de pedida de mano e intenta alcanzar al conejo del reloj, el mismo que vio de niña, mientras suena la música de Danny Elfman como preludio a la entrada al reino de la fantasía.
Pero a partir de ahí, cuando el espectador debería ser transportado al País de las Maravillas, en realidad se le transporta a una especie de videojuego-homenaje al libro de Lewis Carroll y a la película de Walt Disney. Como ya es conocido, Alicia debe hacerse alternativamente grande y pequeña para entrar en el país. Hasta a los propios habitantes que observan a la muchacha les resultan tediosas sus acciones, por haberse visto mil veces antes. Desde ese momento, lo único que tendrá que hacer Alicia es ir superando pruebas rodeada de personajes generados por ordenador. Los pocos actores que pululan por ahí tampoco cuentan demasiado, porque sobreactuan en el mejor de los casos. Lo único salvable es la ambientación, donde si que se nota la mano de Burton, tan cuidada como en sus anteriores filmes.
En cualquier caso puede salvarse algunas imágenes inquietante, que paradójicamente son los recuerdos del anterior viaje de Alicia, cuando era una niña inocente y podía aceptar de manera más natural la absurda vida de los habitantes del País de las Maravillas. Esta Alicia ya mujer está convencida de estar sumergida en las imágenes de su propio sueño, por lo que está convencida de que al despertar todo desaparecerá. Los demás personajes intentan convencerla de que el País de las Maravillas es real. Quizá si se hubiera explorado más profundamente está relación entre el sueño y la realidad, la película hubiera sido más interesante, pero Tim Burton decidió en esta ocasión abordar el encargo sin arriesgar lo más mínimo. La conclusión final es que se trata de un mero divertimento caro e innecesario, que no aporta nada nuevo a lo que ya sabiamos acerca del mundo de Lewis Carroll.
Reconozco que es una película que gustará especialmente a los frikis que han crecido leyendo cómics Marvel, entre los que me cuento, pero también merece la pena como espectáculo y para ver un buen recital interpretativo de Robert Downey Junior. Aquí el enlace a la crítica:
http://estrenoscine.suite101.net/article.cfm/iron-man-2-de-jon-favreau
